Что есть Истина?

Моисей: всё есть Бог
Христос: всё есть Любовь
Маркс: всё есть Деньги
Фрейд: всё есть Секс
Эйнштейн: всё относительно

Леон Франсуа Комер, La Belle Liseuse (Прекрасная читательница), 1916 г. Частная коллекцмя.
Французский художник-портретист Леон Франсуа Комер (1850 — 1916) наиболее известен как создатель великого множества великолепных женских образов, за ряд из которых он был удостоен большого числа престижных европейских наград, включая Римскую премию. Несмотря на то, что практически все картины художника выглядят несравненно милыми, беззаботными и чувственными, будто бы нарисованные на одном дыхании, для достижения подобного эффекта художнику приходилась прилагать весьма значительные усилия. Комер был ярым сторонником живописи в духе академического классицизма, соответствующего высоким стандартам Французской художественной академии и возникшего под сильным влиянием неоклассицизма и романтизма. Сам по себе академический классицизм был достаточно удачной попыткой создания безупречного стиля, придерживающегося строгой манере письма, узких композиционных правил и деликатности цвета. Этот стиль благоприятствовал произведениям в духе Древней Греции, Рима и эпохи Возрождения. И несмотря на то, что Комер чаще рисовал портреты своих современниц, чем мифических нимф, влияние стандартов красоты из давно минувших лет прекрасно прослеживается во многих его произведениях. К 1868 году, Комер уже работал в студии известного академиста Александра Кабанеля, который привил своим ученикам вкус к восточным мотивам и прекрасным дамам. В дальнейшем художник предпринял несколько путешествий по Европе и Британским островам, а по возвращении в Париж в 1880 году, открыл небольшую студию и принялся за создание великолепных портретов, спрос на которые всегда был необычайно велик. Портретная работа Комера была широко востребована искушенной буржуазией, той богатой знатью, которая хотела чтобы их жен и возлюбленных увековечили именно в красках, а не на фотографиях.
Когда девятнадцатый век подошел к концу, мир искусства был потрясен авангардными изменениями и, в конечном счете, кубистами. Комер, однако, остался верен своему классическому академическому стилю, хотя и несколько обновил его элементами современной жизни. Начав свою карьеру в пьянящей, хотя и несколько раздутой, атмосфере 1860х годов, художник не только дожил до времени, когда мир искусства резко эволюционировал в более открытую коммерческую и эстетически сложную область, но и оставался активно вовлеченным в свою работу и крайне востребованным мастером вплоть до самой смерти в 1916 году. Незадолго до смерти и была написана эта картина - чистый лик, совершенство и много света.
Time: 01.31

Вильям Адольф Бугро, "Скромность", 1902 г. Частная коллекция

Продолжая рассказ о Бугеро, отметим, что сам художник учился на католического священника (священником был его дедушка), но он стал художником и написал более 820 картин, некоторые из них сегодня изображаются на открытках (например С Днём ангела). Его картины покупали французский император и брат художника Ван Гога. Некоторые богатые люди спешили художника оплатить ещё незавершенные картины, чтобы другие не перекупили. Но уже в конце 19 и первой половине 20 века, его картины были названы "Пошлостью", за них не давали и 50 долларов и даже священники совершали попытки покушения на картины с надеждой их уничтожить или испортить. Со второй половине 20 века картины стали популярны и очень возросли в цене до суммы в несколько миллионов долларов за картину. По сегодняшний день большинство картин не удалось найти. Большая часть в личных коллекциях США. В России имеется только одна картина Бугро и она находится в Эрмитаже (Библейская тема).
Отличительная черта художника: ни на одной картине он не изобразил современность в которой он жил в 1825-1905 годы. На всех картинах древние мифы или современные люди в исторических костюмах прошлых столетий. И везде красота и романтизм плюс интим. Он писал картины для отдыха глаз, без пошлости, жестокости. Только на картинах религиозного содержания существует грусть, это печаль по умершим детям и супруге.
Time: 01.33

Черное с синим… гладко уложены пряди,
Кожу молочную трогает бархат ресниц,
Скрыта печаль в стылом сумраке взгляда,
Кажется жизни Павония вовсе не рада,
В тайне, мечтая о воле диковинных птиц…

Жемчуга нить обрамляет накидку из шелка,
Теплый ее абрикос оживляет невольно панно,
Белое спорит с глубоким маслиновым лоском,
Облик пропитан холодным тускнеющим воском,
Ворона черная тень заслоняет павлина перо…

Лорд Фредерик Лейтон, Павлин (Pavonia), 1859 г. Частная коллекция.

"Павония", портрет девушки в ореоле павлиньих перьев работы Фредерика Лейтона,— скорее встретишь в сборнике трафаретов для вышивок, чем в искусствоведческих статьях, но именно он стал одним из первых в "культе красоты", зарождавшимся в средине 19 века - эстетизме как новом художественном течении в искусстве.
Фредерик Лейтон — английский живописец и скульптор, выдающийся представитель академической живописи Викторианской эпохи. Излюбленными темами его творчества были мифология и история. Он стал первым английским художником, удостоенным титула лорда.
Лейтон Фредерик родился 3 декабря 1830 г. Его отец был врачом, а дед, сэр Джеймс Лейтон, придворным врачом русского императора Александра I. В детстве Фредерику Лейтону пришлось много путешествовать по Европе. Лейтон начал изучать живопись в возрасте десяти лет в Риме, а позже в Лондоне, Дрездене и Флоренции. Фредерик Лейтон жил и творил в эпоху королевы Виктории. В 1855 впервые выставил свои произведения в Королевской академии художеств и получил награду за картину, приобретенную впоследствии королевой Викторией. В 1860 художник поселился в Лондоне. В своих работах Лейтон часто обращался к мифологии и истории, а его поддержка классицизма принесла ему высокую репутацию в Англии. За день до смерти в 1896 году, живописцу был пожалован титул лорда. Фредерик Лейтон стал первым английским художником, удостоенным этой чести. Лейтон писал картины главным образом на сюжеты из античной литературы и истории с изображениями обнаженных женских фигур. Лейтон часто вводил в свои композиции сентиментальные подробности. Именно эта особенность его работ стала одной из причин популярности художника. В качестве модели художнику позировала актриса Дороти Дени. Она же запечатлена на картинах художника "Купание Психеи", "Феба" и других. Лейтон скончался 25 января 1896 года в Лондоне.
Time: 01.35

Доходя до этого автора, угадали-не угадали, но все дружно поём эту песню:
Иветта, Лизетта, Мюзетта, Жанетта, Жоржетта - вся жизнь моя вами как солнцем июльским согрета...

Эжен де Блаас, Портрет юной леди (01.37 сек) и Мюзетта (01.39 сек)
Его картин вы не найдете в музеях. Они все (или почти все) разлетелись по частным коллекциям, и посмотреть их в хорошем качестве достаточно сложно. Творческое наследие художника Эжена де Блааса кроме как полным собранием портретов красавиц никак и не назвать. Невозможно оторвать глаз от прелестных Мюзетт, Нинетт, торговок рыбой, водоносок и их многочисленных подружек, подслушивающих у дверей, подглядывающих через заборы и отдыхающих от трудов праведных где-нибудь на ступеньках крыльца. Если верить Блаасу, то Венеция второй половины XIX века была наводнена Афродитами и Еленами Прекрасными всех сословий. Вглядываясь в весёлые молодые лица, начинаешь думать, что Италия и есть тот рай, где живут самые счастливые женщины в мире.
Эжен де Блаас (1843—1932) — итальянский художник, писавший в стиле академического классицизма. Родился в Альбано Лацьале, возле Рима. Родители его были австрийцами. Отец, Карл фон Блаас был хорошо известным художником, работающим в историческом жанре позднего бидермайера.Появление ещё одного художника в семье известного живописца, профессора Академии Венеции Карла фон Блааса было более, чем закономерным. И хотя Эжен всю жизнь придерживался рамок академического классицизма, вдохновенно выписывая каждую складочку в одежде своих прелестниц, дух бидермейерства, проповедовавшегося именитым отцом, витает на полотнах сына. Милейшие сюжетцы, выхваченные с залитых солнцем венецианских улочек, в работах мастера обретают особую лукавую значимость. Словно нет ничего важнее на свете болтливых девчонок, столпившихся на балконе или сплетничающих где-нибудь в укромном уголке. Он писал чаще всего торговок и прачек, цветочниц и разносчиц, но писал так, что их скромные одежды кажутся дорогими изысканными нарядами.
Художник жадно вглядывался в своих моделей, стремясь в мельчайших подробностях передать скоротечное очарование молодости, её жизнелюбие и беззаботность. Блаас созерцал современниц, восхищаясь ими, видя в каждой простушке нечто особенное, то, что на холстах становилось очевидным. Угрюмый фавн, каким живописец предстаёт на собственном автопортрете, в душе всегда был романтичным юношей, и эту способность приходить в восторг от любой женской фигурки, как бы прозаично ни выглядели её одежды, Эжен де Блаас пронёс через всю жизнь. Только благодаря этому мы и через 100 лет снова и снова замираем перед его картинами, созерцая всю красоту мироздания сквозь живые и понятные образы:

Женщина — с нами, когда мы рождаемся,
Женщина — с нами в последний наш час.
Женщина — знамя, когда мы сражаемся,
Женщина — радость раскрывшихся глаз.
Первая наша влюбленность и счастие,
В лучшем стремлении — первый привет.
В битве за право — огонь соучастия,
Женщина — музыка. Женщина — свет.
Time: 01.37, 01.39

(Fan fanny @ 24-09-2021 - 07:33)
Даже в своих портретах Энгр проявлял чувство, которое чаще выражалось в обнаженных тонах, которые занимали его по мере того, как он становился старше и его стиль развивался. Его «Турецкие женщины в бане» , написанные в возрасте 82 лет, являются кульминацией его изображений обнаженных женщин.
Заинтриговал возрастом дедушки,
не безразличного к НЮ.
Прогуглил.
Даю под спойлером, потому что картина не фигурирует в обсуждаемом ролике.

(Глаголъ @ 24-09-2021 - 12:24)
(Fan fanny @ 24-09-2021 - 07:33)
Даже в своих портретах Энгр проявлял чувство, которое чаще выражалось в обнаженных тонах, которые занимали его по мере того, как он становился старше и его стиль развивался. Его «Турецкие женщины в бане» , написанные в возрасте 82 лет, являются кульминацией его изображений обнаженных женщин. Заинтриговал возрастом дедушки,
не безразличного к НЮ.
Прогуглил.
Даю под спойлером, потому что картина не фигурирует в обсуждаемом ролике.

скрытый текст

Да, мощная картина! В таком возрасте воображение фонтанирует, конечно. Тем более основанное на богатом жизненном опыте)
Попав в такую баньку, живым бы выползти

Учитывая, что к просмотру 6-го десятка картин подходим уже под шофе, обычно глядя на эту красавицу, мои тоже начинают косить под "Восток": танец живота, что-то на голову натягивают, полотенцем талию обвязывают и т.д.

Леон Франсуа Комер, "Арабская красавица", масло, холст, частная коллекция.

Художник Леон-Франсуа Комер (1850-1916) известен, как французский живописец академического направления 19 века. Я подробно о нём уже писал, поэтому сосредоточимся на картине.
Картины Комера очень хорошо покупали не только во Франции, но в США, Англии и Бельгии. Ему заказывали портреты, библейские сюжеты и полотна на мифологические темы. После посещения Испании Леон-Франсуа Комер увлёкся восточной тематикой и восточными мотивами.
На этой картине мы видим арабскую красавицу. Она носит одежду, соответствующую арабской моде того времени. Фон причудливый, главный цвет на этой картине - золотой. Эта красавица заслуживает 5 звезд. Убедительная в каждой детали, она создает впечатление, будто ее раскрашивают на месте, но на самом деле Комеру пришлось преодолеть множество художественных проблем при рисовании сцены. Поскольку мусульманским женщинам было запрещено позировать западным художникам, Комер был вынужден использовать европейские модели в арабских нарядах. Более того, ему не разрешили войти в гарем, поэтому его картины не могли быть основаны на прямом наблюдении, и вместо этого ему приходилось полагаться на чужие рассказы. Чтобы придать своим картинам правдоподобность, он наполнил свою парижскую студию несметным количеством реквизита, который он собрал во время своих странствий на Востоке.
Time: 01.41

Это лицо так или иначе видели многие: ее живописное изображение очень часто тиражируется на фарфоровых вазочках и тарелочках, коробках конфет, духах, в дамских журналах, на упаковочных листах.
Но главное (кричат прямо): "Это же Ренуар!":

Пьер Огюст Ренуар. Девушка, расчесывающая косу.Портрет Сюзанны Валадон, 1885 г. Музей Лангматта, Баден, Швейцария

Её имя мелькает в названиях картин почти всех французских художников, творивших в Париже на рубеже XIX и XX веков. Она была источником вдохновения и проклятием. Ей нельзя было верить. В её устах ложь невозможно было отличить от правды. Она вошла в историю под именем Сюзанны Валадон. Но это тоже было неправдой. Её настоящее имя - Мари Клементина. Родилась она в 1865 году у белошвейки по имени Мадлен. Своего отца она никогда не знала.
В начале 1880-х её мать открыла прачечную в районе Монмартра, обители парижской богемы. Мари, правда без особого желания, была вынуждена помогать матери - разносить постиранное бельё клиентам. А среди них были многие известные художники, жившие в то время в Париже. Мари была, действительно, хороша. Яркие синие глаза, длинные каштановые волосы, казавшиеся при разном освещении то ослепительно рыжими, то почти чёрными, длинная шея и плавные изгибы юного тела. Такой увидел 17-летнюю Мари Клементину Пьер Пюви де Шаванн, художник из Лиона, творивший тогда в Париже. Она стала не только натурщицей 58-летнего лионского художника, но, по слухам, и его любовницей. Впрочем, достоверно о её личной жизни известно далеко не всё. Она любила рассказывать о себе разные истории, в которых невозможно было отделить правду от вымысла. Она вошла в эту парижскую богему совершенно естественно, как будто была рождена именно для этого. Огюст Ренуар, Эдгар Дега... Она покорила всех. Эта она на так хорошо известных нам картинах. В 1883 году 18-летняя Мари Валадон родила сына, которого она назвала Морисом. Она никогда не называла имя его отца. Скорее всего, не знала этого и сама. Ходили слухи, что отцом мальчика мог быть либо Ренуар, либо Дега. Спустя 8 лет Мориса усыновит мало известный испанский художник Мигель Утрилло, у которого в то время был совсем непродолжительный роман с Мари. Он пошутит, что будет счастлив поставить свою подпись под творением известного художника. Дона, как тебе ирония благородного испанца? Так Морис Валадон станет Морисом Утрилло.
Но это будет потом. А пока Мари Клементина, не очень обременяя себя воспитанием сына, продолжала покорять Монмартр. Только спустя 7 лет она расскажет Дега, что, позируя знаменитым художникам, она ещё пыталась осуществить свою детскую мечту. Самой писать картины. Она смотрела как они наносят краски на холст, а потом повторяла это сама. Свой первый автопортрет она напишет в 1883 году, но покажет его Эдгару Дега, которого считала главным своим учителем, намного позже.
Автором нового имени нашей героини стал молодой художник Анри де Тулуз-Лотрек. Потерявший голову Лотрек ревновал Мари к стареющим импрессионистам, для которых она позировала часто обнажённой. Поэтому он и называл её Сюзанной, сравнивая с героиней библейского сказания о Сусанне и старцах, подглядывающих за купающейся молодой девушкой. Это имя так понравилось Мари Клементине, что вскоре она стала называть себя только так и окончательно превратилась в Сюзанну Валадон. А вот Эдгар Дега, лучше всех, видимо, поняв её сущность, называл её - "страшная Мари".
Time: 01.43

Пьер Огюст Ренуар, Портрет мадам Анрио, 1876 г. Национальная галерея искусства, Вашингтон.

Ренуар Пьер Oгюст (1841-1919), французский живописец, график и скульптор. В юности работал живописцем по фарфору, расписывал шторы и веера. В 1862-1864 Ренуар учился в Париже в Школе изящных искусств, где сблизился с будущими соратниками по импрессионизму Клодом Моне и Альфредом Сислеем. Ренуар работал в Париже, посетил Алжир, Италию, Испанию, Голландию, Великобританию, Германию.
Изображая эпизоды, выхваченные из потока жизни, случайные жизненные ситуации, Ренуар отдавал предпочтение праздничным сценам городской жизни – балам, танцам, прогулкам, застольям, словно стремясь воплотить в них чувственную полноту и радость бытия. Особое место в творчестве Ренуара занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они как бы отмечены общей печатью эпохи.
В 1876 г. Ренуар создаёт великолепный портрет актрисы театра «Одеон» Генриетты Анрио.Глядя на него, мы видим, как разнообразен был Ренуар в выборе средств выразительности. Он увидел в мадам Анрио женщину XVIII века, изящную, нежную, и выбрал для ее портрета легкие, почти пастельные цвета: дымчато-серые и светло-зеленые. Открытое лицо с правильными чертами, темные глаза и темно-каштановые волосы создают классическую портретную композицию, напоминающую женские портреты французских художников середины XVIII века.

Ренуар. Мадам Анрио. 1876. Этот портрет представляет Генриетту Анрио изысканной молодой дамой, тонкой и нежной. Это поясное изображение, героиня одета в пастельное платье, которое сливается с таким же бледным тающим фоном, автор добивается эффекта появления утонченной модели из зыбкой пены окружающего воздуха. И если в портретах Жанны Ренуар подчеркивал ее страстность и жизненную силу, то в Генриетте он делает акцент на ее эфемерности и изяществе.
Time: 01.45

После просмотра этой картины часто ставлю фильм Сергея Бодрова "Сёстры":
Пьер Огюст Ренуар, Две сестры (На террасе), 1881 г. Чикагский институт искусств, Чикаго.

Эта творение мастера является одним из самых ярких у Ренуара, если рассматривать его с точки зрения насыщенности использованных цветов. Первоначально работа называлась "Сестры", но в реальной жизни изображенные героини не состоят в родственных отношениях.
Мы видим летнюю террасу ресторана, который находится в самом центре Парижа. Создается впечатление, что это некий тихий уголок в какой-то дальней деревне. Картина создает невероятно теплое и простое настроение. Этому способствует обычная корзинка, в которой лежат клубки шерсти разного цвета, а также рукоделие. Девушки предстают перед нами в совершенно простых и максимально естественных позах. Младшая смотрит прямо на художника, поэтому мы можем встретиться с ее глазами. Старшая ощущает какую-то неловкость. Ренуар смог мастерски передать особую связь между героинями. Краски перекликаются во всем. Это можно сказать о их головных уборах, особом румянце и других не менее значимых деталях. Лица на этой работе невероятно выразительны. Ренуар написал их с особым мастерством. Красный головной убор одной из героинь и другие подобные акценты в достаточно значимых деталях способны создать невероятно динамичный и особенно энергичный сюжет. Фон на картине нарочито смазан. Именно он придает всему полотну особый динамизм и невероятную легкость. Мы можем в полной мере почувствовать очарование этого теплого дня лета, а также увидеть, насколько он красив и по-особому наряден. Ренуар смог с особым мастерством передать мгновенное впечатление от той сцены, которую ему удалось увидеть. Работа художника стала поистине наполовину прозрачной, а также чудесной в своей особенной легкости. Мы чувствуем, что прямо изнутри этой великолепной работы исходит невероятно теплый и максимально живой свет.
Time: 01.47

Вот и добрались до стоп-кадра нашего ролика!
Жанна из тех королев,
Что любят роскошь и ночь...
© Ария

Пьер Огюст Ренуар, Портрет актрисы Жанны Самари, 1878 г. Пушкинский музей, Москва.

Отдельное место в творческом наследии Ренуара занимает портрет актрисы театра "Комедии Франсез" Жанны Самари. С ней Ренуар познакомился, когда той было 20 лет у мадам Шарканье. Художник был очарован красотой актрисы, ее светлой кожей и рыжими волосами. Внешность Жанны великолепно можно было бы изобразить именно кистями и красками великого французского художника. Всего было написано 4 портрета Жанны Самари, которые не только обессмертили красоту актрисы, но и сделали ее символом для кокетливых и изысканных парижанок.
Все портреты, хотя на них изображена одна и та же женщина, отличаются друг от друга композицией, колоритом и размерами. На них нужно смотреть с дальнего расстояния, как и на многие произведения импрессионистов, чтобы мазки слились воедино и создали тот образ, который хотел передать для нас художник.
В 1878 г. Ренуар создает третий, самый значимый и большой портрет актрисы, портрет в полный рост. Изысканная женщина в модном по тем временам розоватом платье с декольте и длинным шлейфом. Ее обнаженные руки по локоть в перчатках. Фигура женщины чуть наклонена вперед, как бы приближаясь к смотрящему на нее. Нежная, будто бы светящаяся кожа (о которой Ренуар говорил «Что за кожа! Настоящий солнечный луч»), контрастно выделяется на фоне богатого интерьера с пальмой и массивной подставкой сзади женщины. Краски плавно перетекают от одного тона к другому, изысканно сочетая цвет платья с рыжеватым цветом волос актрисы. Темно-синие глаза шаловливо и непосредственно смотрят на поклонников таланта Ренуара.
Судьба Жанны Самари трагична, она умерла в 33 года, но благодаря картинам художника, на которых запечатлен ее внутренний и внешний облик, актриса Жанна Самари навсегда оставит свой след в истории человечества.
«Я смотрю на портрет Жанны Самари, как я смотрел бы на портрет моей умершей сестры»- говорил Ренуар.
Time: 01.48

Огюст Ренуар, "Молодая женщина расчесыват волосы", 1876 г. Национальная галерея искусств, Вашингтон.

В середине 1870-х гг. он обосновался в дешевом районе Парижа — на Монмартре, где процветал дух свободы и беспечности, он знакомится с юной натурщицей Маргаритой Легран, рыжей 16-летней певуньей и хохотушкой. Неунывающий легкий нрав Марго привнес в искусство Ренуара особую воздушность, в эти годы он создает один блистательный шедевр за другим, в его колорите господствует гамма синих оттенков, которые несут в себе таинственный свет секрета всеобщего счастья. Ренуар ощущал полноту и радость жизни в эти годы, у него все получалось в живописи, он был влюблен в грубоватую простушку Марго, в которой он видел свой идеал. Изображения Марго далеки от портретной точности, это скорее живописные впечатления от ее непосредственности, грациозности, оптимизма. Увы, счастье влюбленных было быстротечно, через четыре года Марго умерла от оспы, оставив безутешного Ренуара. Утешение к художнику пришло с появлением в его жизни провинциальной румяной девушки Алины Шариго, которую отличали золотистые волосы, легкая походка, пышные формы, но гибкий стан и кошачья грация. Ренуар был очарован новой моделью, затем он был в нее влюблен, а позже кроткий нрав Алины и ее беззаветная преданность своему Огюсту сделали ее главной женщиной в судьбе мастера. Алина стала его женой и матерью трех его сыновей, стала его ангелом-хранителем на долгие годы.
На картине "Молодая женщина расчесыват волосы" мы видим Алину в качестве модели, мечтательно ухаживающую за своими волосами. Сплетение волос можно рассматривать как аналог переплетения присутствия души девушки с ее погружением в мечту.
Обаятельный образ парижанки создал автор холста. Кисть мастера с особой трепетностью передает мягкость характера, состояние мечтательности. Поэзию прозы. Ренуар, также как Мане и Дега, будучи художником своей эпохи, опирался на традиции великих мастеров прошлого. Живопись портрета поражает своей лучезарностью. Тончайшей передачей тонких нюансов.
Time: 01.50

Первая эротика в нашей программе! Ох, пардон, вторая - после "Рождения Венеры", конечно. (Что там с аватаркой, Дона ) После этой картины обычно делаем паузу...
В просмотре

Пьер Огюст Ренуар, Блондинка-купальщица, 1881 г., холст, масло. Институт искусств Кларка (приобретена Стерлингом и Франсин Кларк, 1926 г. Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, Массачусетс)

Ренуар написал эту работу, путешествуя по Италии. Модель, вероятно, Алина Шариго, впоследствии ставшая его женой. Простота композиции придает обнаженной натуре монументальность, что создает вневременной образ женственности. Ренуар был вдохновлен этим подходом к древнему римскому и итальянскому ренессансному искусству, которое он видел во время своего путешествия, которое он описал как олицетворение «вечной красоты».
Изображение обнаженной женской натуры — это ренуаровская тема в искусстве в течение всей его жизни, сначала он приступает к написанию ню робко и редко, используя мифологию и аллегории. Затем мастерство живописца крепнет, и он обращается к этому сложному жанру все чаще. В последние десятилетия жизни изображения в стиле ню стали ведущим жанром его творчества. «Я продолжаю работать над обнаженной натурой до тех пор, пока мне не захочется ущипнуть холст»,— говорил Ренуар. За всю свою долгую творческую судьбу Ренуар несколько раз менял стилистику, увлекался разными манерами и техниками, но во все периоды жизни с восхищением писал прекрасных обнаженных. Ню — импрессионистические, терпкие или перламутровые — такое можно встретить только в творчестве Огюста Ренуара.
В 1880-е гг., после путешествия в Италию, кумирами Ренуара становятся Рафаэль и Энгр, он стремится изменить манеру живописи, вернуться к красоте линии, к четкому рисунку. Его обнаженные также преображаются, они явно позируют и замирают в наиболее эффектных ракурсах. Примером могут служить разнообразные купальщицы, часто изображенные на берегу, сам типаж моделей также изменился, теперь это светловолосые роскошные женщины рубенсовской фактуры.
Конечно, в ролике представлены только некоторые картины художника. А за всю свою творческую жизнь Огюст Ренуар создал свыше 6 тысяч шедевров! Обо всех даже упомянуть невозможно. Художник творил до самых последнмх дней своей жизни. Живопись была самым главным для него. Ренуар, известный как основатель импрессионизма, менял свои художественные стили, но несмотря на разные идеи и взгляды, его картины всегда излучают радость, красоту, любовь и счастье. У Огюста Ренуара нет ни одной грустной и печальной картины.
Time: 01.52

Напудрив ноздри кокаином,
Я выхожу на
Променад.
И звёзды светят мне красиво
И симпатичен
Ад
© "Агата Кристи"

Эдуард Мане. La Promenade, Madame Gamby. 1880 г. Токийский художественный музей Фудзи

В 1880 году Мане, здоровье которого ухудшилось, арендовал дом в Бельвю на окраине Парижа для восстановления сил. Даже когда его друзья приезжали в гости к Мане, он работал над картинами маслом и создал около 30 работ, включая фигуры, пейзажи и натюрморты.
Картина «Променад» - одна из его работ, созданных, когда он летом жил в Бельвю. Через год после смерти Мане эта картина была продана на аукционе и куплена Жан-Батистом Фор, баритоном оперы, который также был коллекционером работ Мане. После того, как она впоследствии прошла через руки несколько выдающихся западных коллекционеров, теперь она находится в коллекции Токийского художественного музея Фудзи.
Позировала для этой работы мадам Гэмби, которая была одной из посетителей Мане во время его выздоровления. Модель демонстрирует модный фасон с челкой и черной шляпой, украшенной фиолетовыми цветами. Зеленый сад на заднем плане нарисован мазками кисти, которые похожи на стиль импрессионизма, но платье модели смело окрашено в черный цвет, чего нет в работах других художников-импрессионистов. Кроме того, его умелое изображение тела женщины светлыми, почти прозрачными цветами, оставляя видимые мазки, подчеркивает исключительное чувство формы Мане.
На этом изображении, составленном из контраста зеленого и черного, ярко выделяются белый цвет лица женщины и желтый цвет ее перчаток. Они подчеркнуты красным цветом ее губ и цветом маленьких красных цветов, вписанных в фон с изысканным чувством баланса, что наглядно демонстрирует необычайное чувство цвета Мане. То, что Мане запечатлел в этой работе, можно назвать не просто портретом конкретной женщины, а самой «женской красотой», представляющей Париж.
Time: 01.54

Фрэнк Дювенек, "Портрет Мэгги Уилсон", 1898 г. Музей изящных искусств, Хьюстон

Самым известным американским художником-реалистом был Франк Дювенек, который много лет преподавал в Академии художеств Цинциннати и сформировал там курс искусства в начале 1900-х годов.
Фрэнк Дювенек родился как Фрэнк Деккер 9 октября 1848 года в Ковингтоне, штат Кентукки. Он был старшим сыном немецко-католических иммигрантов из рабочего класса Бернарда и Кэтрин Декер. Бернард Декер умер через год, и его вдова вышла замуж за Джозефа Дювенека, имя которого Фрэнк позже принял. Франк начал изучать искусство в подростковом возрасте и поступил в ученики в немецкую фирму декораторов церквей, где его и убедили поехать в Германию в возрасте 21 года, чтобы учиться в Королевской академии Мюнхена, где на него повлияли работы Франса Хальса, Рембрандта и Питера Пауля Рубенса. Дювенек преуспел в Королевской академии в Мюнхене, создавая выразительные портреты, которыми он знаменит (например, «Свистящий мальчик»; «Ученик сапожника»). Его работы, напоминающие европейских мастеров своими темными, землистыми цветами и широкой резкой манерой письма, сразу же имели успех. В 1878 году Дювенек открыл школы в Мюнхене и одной баварской деревне. В 1886 году он женился на Элизабет Ботт, одной из своих учениц и опытной художнице. В декабре того же года она родила сына Фрэнка Бутта Дювенека. Однако менее чем через год она умерла от пневмонии в Париже, и Дювенек был опустошен. Вернувшись в Америку, он создал прекрасный памятник своей жене. Его продуктивность резко упала после смерти жены. Дювенек жил в Ковингтоне и преподавал в Художественной академии Цинциннати, где он стал деканом в 1905 году. Дювенек умер 3 января 1919 года в возрасте 71 года и похоронен на кладбище Богородицы в Ковингтоне.
Одной из самых знаменитых его работ является "Портрет Мэгги Уилсон", о котором лучше сказать стихами:

Избегаю встречаться взглядом,
И накручен – до ста считаю,…
Эта женщина снова рядом,
По которой я так скучаю.

Называю всё это бредом,
Продолжая кружить по краю,
И невольно - за нею следом,
И мечтаю о ней… мечтаю.

А она, ничего не зная,
Всё уводит меня от дома,
Ведь чужая она… чужая,…
Отчего же в душе истома?

Так нечестно: без спроса – в душу!
Сигарету опять ломаю…
Подойти бы… обнять… да трушу,
И теряю её… теряю.

А улыбка её беспечна,
Ведь не я для неё отрада,
И так будет, наверно, вечно –
Ей иначе совсем не надо.

Потому что всё стало прошлым,
Безвозвратно – неповторимым,
Ах, каким же я был хорошим…
Ах, каким же я был любимым…

Той, которая всё забыла,
Той, к которой всё тянет и тянет…
Не позвал её… не простила.
И моею уже не станет.
Time: 01.56

Мэри Кассат, "Женщина с жемчужным ожерельем в ложе", 1879 г. Художественный музей Филадельфии.

Импрессионизм, как правило, ассоциируется у обывателя с художниками-французами. Но само существование американской художницы-импрессионистки ломает все стереотипы жанра. Мэри Кассат (1844-1926) не просто внесла вклад в это направление, она создала огромное количество «семейных» картин, которые пронизаны домашним теплом и уютом.
Мэри Кассат родилась в обеспеченной семье в Пенсильвании. Она еще в детстве побывала во многих европейских столицах, включая Лондон, Берлин и Париж. Поэтому путешествия по Европе можно с полной уверенностью назвать важной частью ее образования. А французская столица вообще сыграла решающую роль в судьбе будущей художницы. Но французская столица не спешила раскрыть объятия молодой американке. В самую престижную Национальную высшую школу изящных искусств, в которой учились Клод Моне и Эжен Делакруа, женщин не принимали. А в кафе, без которых нельзя себе представить художественную и литературную жизнь Парижа, им вход был и вовсе запрещен вплоть до начала 1870-х. Единственным выходом было занятие в частных студиях.
В 1872 году работа Мэри Кассат впервые была допущена к показу жюри Парижского салона. В дальнейшем отношения с критиками у художницы складывались не лучшим образом: она выбирала свои темы, она была женщиной, и она была американкой. Противостояние традициям Салонов привело Мэри к импрессионистам, которые не боялись смелых экспериментов.
Важным событием для творчества Мэри Кассат стало ее знакомство с пастельными работами Эдгара Дега. Именно он помогал ей осваивать технику работы пастелью, благодаря которой в ее картинах впоследствии появились теплота и разнообразие цветов.
Стоит отметить, что дружба Мэри Кассат и Эдгара Дега была своего рода феноменом, доказательством того, что искусство способно преодолевать даже такие барьеры, как разное мировоззрение. Мисс Кассат боролась с самой идеей неравенства полов, а Эдгар Дега считал, что женщины в принципе не понимают стиля. Он даже как-то заявил, что не может поверить, что женщина способна так хорошо рисовать. И эти слова были сказаны в адрес Мэри Кассат.
Мэри Кассат скончалась в 1926 году. Она оставила после себя огромное количество превосходных импрессионистских картин, которые разрушили веками существовавшее убеждение, что женщина не может творить наравне с мужчинами.

В конце 1870-х годов Кассат создала ряд театральных сцен, тем самым показывая свой интерес к ночной жизни горожан, разделяемый многими импрессионистами. На картине "Женщина с жемчужным ожерельем в ложе" изображена старшая сестра художницы Лидия, сидящая перед большим зеркалом. В отражении можно увидеть балкон Парижской оперы Гарнье, построенной за несколько лет до написания портрета. Картина восхищает неспешными мазками кисти и умелым построением композиции. Кассат смело размещает фигуру на переднем плане, показывая окружающий ее мир в зеркальном отражении. В манере письма и отображении телесных тонов при искусственном освещении видно сильное влияние Эдгара Дега, друга и наставника Кассат. В 1879 году картина была представлена на четвертой выставке импрессионистов, где получила всеобщее признание.
Time: 01.58

Джулиан Олден Вейр, "Идеальная голова", масло, доска. Частная коллекция

Безмятежные пейзажи, красивые женщины, спокойствие и гармония – всё это мы видим на картинах американского импрессиониста Джулиана Олдена Вейра (1852−1919). Его полотна выполнены в яркой цветовой гамме, в которой преобладают синий и зеленый цвета неба и деревьев. Красивые заборы, уютные домики, кусты и валуны – такие пейзажи можно смело называть отрадой для глаз.
Джулиан Вейр родился в семье художника Роберта Вальтера Вейра в 1852 году. Сначала Джулиан учился в Национальной академии дизайна, затем в Школе искусств Парижа. Интересно, что Джулиан был городским жителем, но иногда слишком уставал от суеты города. Поэтому он купил дом в Коннектикуте и рисовал там трогательные сельские пейзажи, сбегая таким образом от стресса мегаполиса. На сюжеты его картин также повлияла личная жизнь. Он женился во второй раз на своей кузине Элле Бейкер, у которой была живописная ферма. Это оказалось как нельзя кстати для его импрессионистского настроения. До конца жизни художник писал пейзажи, для которых ему "позировали" ферма жены в Уиндхеме и его собственный дом в Коннектикуте.
Джулиан Олден Уир прожил насыщенную творческую жизнь, оставив после себя прекрасное художественное наследие и много талантливых учеников, среди которых - видная американская художница Харриет Кэмпбелл Фосс. Сегодня картины Вейра находятся в самых лучших музеях мира, а его семья до сих пор владеет фермой в Уиндхеме, окрестности которой так любил изображать художник.
Представленная картина "IDEAL HEAD", посвященная жене, из-за игры слов (Head - голова, начальник, руковолитель) понимается двояко: и как дань внешности, и подчеркивание доминирующей роли любимой женщины.
Time: 02.00

Поль Сезар, "Женский портрет", 1909 г. Бумага, итальянский карандаш, сангина, мел. Санкт-Петербург, Эрмитаж.

Поль Сезар Эллё (1859—1927) — французский художник-график эпохи модерна. Его называли "Мастер Элегантности". Учился в Национальной высшей художественной школе у Жана-Леона Жерома. Поль Сезар знаменит своими портретами известнейших и красивейших женщин своего времени. Визитная карточка Сезара - поэтично передаваемая женская грация и утончённость. К числу его моделей относятся герцогиня Мальборо, графиня де Греффюль, Луиза Казати и даже Бель да Коста Грин - личный библиотекарь Джей Пи Моргана и одна из остроумнейших и влиятельнейших женщин своего времени. Однажды, в 1884 году Полю было поручено написать портрет молодой женщины по имени Алиса Герен. Они полюбили друг друга и поженились два года спустя. Всю последующую жизнь она оставалась, несомненно, его самой любимой моделью. В 1904 году Эллё был удостоен ордена Почетного легиона и стал одним из самых знаменитых художников эпохи короля Эдуарда в Париже, Лондоне и Нью-Йорке, который он впервые посетил в 1902 году. А в 1912 году он получил заказ на роспись потолка Центрального вокзала в Нью-Йорке, который он украсил звездным сводом, пересеченным золотыми знаками зодиака и серебристым Млечным путём.
Умер Эллё в Париже от перитонита, после операции в 1927 году. В это время он планировал свою очередную зарубежную выставку. Стал прототипом художника Эльстира в романе Пруста «В поисках утраченного времени».
Женские портреты художника прекрасны. Черно-белые картины смотрятся лучше, чем картины маслом. Различные неожиданные ракурсы, взгляды резкие, зоркие, исподлобья, улыбчивые и суровые. Шикарные женские прически. И этот запоминающий стиль художника - размашистые и тонкие штрихи, росчерки карандаша создают элегантный, красивый женский образ. По работам Элле можно изучать историю женского костюма, шляпного и парикмахерского искусства. Автор интересных портретов фигур прекрасной эпохи, чаще всего женских, наиболее известен среди которых — портрет парижской куртизанки Лианы де Пужи. "Женский портрет" 1909 г. - типичная для художника работа, которую можно воспринимать и как законченный портрет, выполненный традиционным способом с использованием белого, черного и красного мела, получивший распространение во Франции еще в XV веке, и как быстрый набросок, раскрывающий влияние импрессионизма.
Time: 02.01

Андерс - свой в доску парень! По характеру и темпераменту он мне ближе всех в этом ролике:

Андерс Цорн. Портрет Марии Ольс, 1918 г. Частная коллекция.

Андерс Леонард Цорн (1860-1920) — знаменитый шведский живописец, график и скульптор. Оказал большое влияние на развитие русского изобразительного искусства. В свое время «русским Цорном» называли Валентина Серова, Константина Коровина и многих других. Среди добродетелей шведского художника Андерса Цорна никогда не было умеренности. Он дышал полной грудью, брал от жизни все, что она могла ему предложить, а иногда и немного сверх того. Он не экономил ни денег, ни красок, ни сил. Если Цорн плясал, то до упаду. Если пил, то до утренних петухов. Его кисть была легка. Ему, вообще, многое давалось легко. К примеру, Цорн удивительно быстро находил общий язык с самыми разными людьми — миллионерами, королями, президентами, крестьянами, служанками (в особенности с хорошенькими). Он любил и умел жить. Должно быть, в этом и заключался его секрет: полотна Цорна не просто полны жизни, они брызжут ею, заражая желанием жить все вокруг.
Особенности творчества художника Андерса Цорна: Цорну присуща размашистая манера, крупный мазок и глубокое проникновение в характер модели, что делало его одним из самых востребованных портретистов своего времени и позволяло Цорну считаться «своим» и среди импрессионистов, и среди приверженцев реализма старой школы. Андерс Цорн писал всегда только то, что собственными глазами видел, но повсюду вносил своей великой кистью столько правды жизни, света, поэзии, элегантности, жизненной радости, светлой души, что бесспорно, является одним из самых блестящих представителей не только шведского, но и европейского искусства.
Time: 02.03

Узнав фамилию этого автора, почему-то сразу вспоминают знаменитый фильм ужасов:

Альфонс Мариа Муха. "Девушка с тарелкой с народным мотивом" (другое название L'Artiste (Художница)). 1920г. Частное собрание: Мичиган. Анонимная продажа: аукцион Christie's, Нью-Йорк, 25 октября 2006 г., лот 188. Оценка: $120 000–180 000, Цена реализации: $325 000. Приобретена настоящим владельцем на указанной выше продаже.

Светящаяся, плавная манера письма и гармоничная прохладная пастельная цветовая палитра, присутствующая в настоящей работе, являются отличительными чертами поздних работ Мухи. Извилистая линия стиля модерн все еще видна в волосах натурщицы и в складках ее объемной одежды, но она пронизана символическим уклоном - нежные мазки фиолетового и синего, определяющие края фигуры, создают впечатление, будто она светится, что придает ей почти мистическое качество.

Альфонс Муха (1860–1939), чешский живописец, декоратор, основатель и мастер театральной и рекламной афиши в стиле модерн, в частности стиля Арт Нуво (Art Nouveau). Широкую известность приобрел после создания афиш для спектаклей театра «Ренессанс», парижского театра Сары Бернар. В эти же годы Муха становится одним из ведущих художников французской рекламы, его композиции печатались в журналах в виде плакатов. Альфонс Муха стал очень знаменит еще при жизни, в конце XIX в. его работы экспонировались во всех основных столицах Европы и в США. С середины 1920-х годов он резко меняет направление своего творчества. Создает большой цикл картин «Славянская Эпопея», посвященный истории славянских народов, и в частности языческой, дохристианской истории.
Этим художником по праву гордится чешский народ, хотя большую часть жизни он прожил в Париже, а в искусстве был убежденным последователем направления, которое именуется модерн, а во Франции — арт нуво ("новое искусство"). Художники данного направления сыграли колоссальную роль в истории западноевропейского изобразительного искусства начала ХХ века.
Time: 02.05

Услышав подробности этой истории, одна сентиментальная крошка даже всплакнула. Хотя пол-часа назад сама меня едва не придушила, разгорячившись в позе 69:

Джон Эверетт Милле. "Мученица Солуэй" (The Martyr of Solway). 1871 г. Галерея искусств Уокера, Ливерпуль.

Маргарет, изображенная на картине, родилась в Шотландии, на ферме близ городка Ньютон-Стьюарт, что располагался в тогдашнем графстве Вигтауншир. На дворе стоял 17 век, Реставрация Стюартов была в самом разгаре. Маргарет, как и её братья, являлась сторонницей Ковенантского движения - шотландского нац.движения в защиту пресвитерианской церкви, выступающего за ограничение королевской власти (что ожидаемо не нравилось самой власти и приводило к многочисленным гонениям). И если начиналось все вполне невинно - Маргарет просто носила еду своим скрывавшимся братьям, - то позднее она начала принимать участие в собраниях, которые были вне закона, и в 1685 г. 18-летняя девушка отказалась отречься от манифеста движения ковенантеров, за что вместе с другой участницей движения, 60-летней Маргарет Маклахлан, была приговорена к смертной казни. Они верили, что только Иисус Христос может быть духовным главой христианской веры. Власти же утверждали, что король по праву - глава церкви, ссылаясь на строку в Писании: "Всякая власть от Бога". Они также выступали против власти епископов в Церкви. Такая дерзость не могла пройти мимо Святой Инквизиции. Казнь осуществлялась достаточно изощренным способом: девушку приковали к врытому в песок в зоне прилива столбу в заливе Солуэй-Ферт. До самого последнего своего вздоха Маргарет осталась верна своим убеждениям и не отреклась, хотя это могло бы спасти ей жизнь. После казни тела двух Маргарет были похоронены вместе в церковном наделе Вигтауна, а самих женщин стали называть Вигтаунскими мученицами. А почти двумя столетиями позже британский художник Джон Эверетт Милле (1829-1896) изобразил на своей картине момент незадолго до того, как воды Ирландского моря сомкнулись над головой несчастной Маргарет.
Time: 02.07

(Fan fanny @ 26-09-2021 - 10:43)
18-летняя девушка отказалась отречься от манифеста движения ковенантеров, за что вместе с другой участницей движения, 60-летней Маргарет Маклахлан, была приговорена к смертной казни. Они верили, что только Иисус Христос может быть духовным главой христианской веры. Власти же утверждали, что король по праву - глава церкви, ссылаясь на строку в Писании: "Всякая власть от Бога".
Фрагмент цитаты выделен мною.
Если бы я вычитал такое в святом писании,
то с оглядкой на наших нынешних,
(которых выбирал собственноручно)
стал бы воинствующим атеистом.

Коля, ну по этому вопросу я считаю, что каждый народ заслуживает той власти, которую он (народ) и выбирает. Или безропотно терпит, не взирая на очевидные зашквары власти. Есть власть по промыслу божьему, а есть по попущению божьему. Поэтому и говорится, что всякая власть от Бога. Людям предоставлена свобода выбора.
А вообще, насколько я помню, это из послания апостола Павла римлянам. Я не хочу вдаваться в долгую богословскую дискуссию, но отмечу следующее:
1. Павел - единственный апостол, не входивший в число Апостолов Иисуса Христа во время самого пришествия, а ставший апостолом во время карательной экспедиции на христиан. Являясь талантливым пропагандистом, Павел в каждом своем послании, обращённому к конкретному народу, знал за какие ниточки надо дёргать, чтобы максимально зацепило данную аудиторию. Римляне, как известно, были ярыми сторонниками божественности власти (один их Пантеон богов чего только стоит), поэтому к ним Павел и решил применить этот убийственный аргумент.
2. Тот вариант Библии, который мы все знаем и читаем, является текстом с т.н. Синодальным переводом, который, как неоднократно доказывали исследователи и богословы, имеет существенные расхождения с оригиналом по многим вопросам, прежде всего, в трактовке Писания.
3. Ну и наконец, если брать конкретную ситуацию, надо помнить, что Англия, оказавшись в 17 веке в сложной геополитической ситуации, прежде всего в борьбе за лидерство с Испанией как "царица морей" за колониальные владения империи, не должна была допустить ещё и внутреннего сепаратизма с вечно бунтующей Шотландией. А для этого, как показывает история, все средства хороши. И если надо трактовать Библию именно в таком свете, чтобы достичь результата, то какая же власть откажется от такого соблазна?

Ну у нас так и остался самый главный нераскрытый вопрос, так в чем же истина?

(Дашуля! @ 26-09-2021 - 14:13)
Ну у нас так и остался самый главный нераскрытый вопрос, так в чем же истина?
Не гони лошадей, девочка - мы же ещё картинки смотрим

(Fan fanny @ 26-09-2021 - 15:17)
(Дашуля! @ 26-09-2021 - 14:13)
Ну у нас так и остался самый главный нераскрытый вопрос, так в чем же истина? Не гони лошадей, девочка - мы же ещё картинки смотрим
Интрига? Ну чтож Бог терпел и нам велел, жду.... )

Зачем я тебя забываю, моя Мадлен,
На грешной земле так бывает, в Москве и в Париже, Мадлен:

Поль Гоген. Портрет Мадлен Бернар, 1888 г. Музей живописи и скульптуры, Гренобль, Франция.

Поль Гоген (1848-1903) - французский художник, живописец, один из когорты величайших мастеров мира. Родился будущий рисовальщик в Париже 7 июня 1848 года. Отец художника был французским журналистом, мать перуанкой, поэтому Поль Гоген практически всё раннее детство провёл в Перу, откуда и пошла его страсть к прекрасному, любовь к девственной природе и экзотической жизни. В возрасте семи лет Поль переезжает во Францию, что бы учиться. После окончания учёбы, которую Гоген невзлюбил всем сердцем, он осуществляет свою мечту детства и становится моряком. После этого, бросив флот и рейсовые суда, поступает на работу в банк и, надо сказать, делает там очень даже успешную карьеру, но зов сердца он так и не сумел победить: благодаря страсти к искусству и прекрасному он начинает коллекционировать картины известных художников и в определённый момент жизни решает-таки начать писать сам.

В 1888 году Поль Гоген посетил Пон-Авен, где познакомился с Эмилем Бернаром и его младшей сестрой семнадцатилетней Мадлен. Художник изобразил девушку в свойственной ему манере, из-за чего она выглядит старше своего возраста и трудно определить, насколько она красива, но тем не менее Мадлен написана с любовью. Молодая девушка на портрете выглядит полностью погруженной в мечты – отстраненный взгляд, аккуратный рисунок губ, красиво уложенные волосы, Гоген создал весьма соблазнительный образ.
Видно, что портрет выполнен с любовью. Гоген не отягощал картину лишним декором и деталями - картина на стене, заметная в верхней части изображения, является гравюрой Форена под названием "Опера". Деревянные сабо, украшенные бретонскими мотивами, показывают привязанность Мадлен к Бретани.
В цветовом диапазоне преобладает синий цвет. Декоративный эффект, возникающий в результате этой игры линий и контуров, показывает влияние японской гравюры и творчества Эмиля Бернара на Гогена.
Портрет интересен еще и тем, что на его обратной стороне изображена "Белая река" - бретонский пейзаж в совершенно ином стиле, демонстрирующий эксперименты Гогена в начала лета 1888 года, которые вскоре приведут к глубоким изменениям в его стиле.
Time: 02.09

Начиная с Матисса, мы окончательно входим в эпоху модерна со всеми "-измами": фовизм, кубизм. экспрессионизм и, как вишенка на торте, сюрреализм. Предлагаю особо не заморачиваться с определениями, а смотреть картины уже не сколько глазами, сколько сердцем, и пытаться заглянуть в свой собственный внутренний мир, исходя из того, какие чувства они вызывают:

Анри Матисс. "Женщина в шляпе", 1905 г. Музей современного искусства, Сан-Франциско

В 1905 году Анри Матисс отрекся от привычного смешения цветов и решил использовать в своих работах классические оттенки. Такая политика резко отличалась от привычной техники прошлых эпох. Само собой, подобный подход не сразу приглянулся обществу и критикам. Одной из ярко выраженных работ подобного характера стала картина «Женщина в шляпе».
Когда работа была выставлена на показ широкой публике, знаменитые эстеты посчитали ее оскорблением творчества. Поскольку в ней намеренно отсутствовали сложные линии и приятные глазу цвета, разразилась волна негодования среди зрителей. Многие посчитали ее вызовом обществу, назвав дикой. Отсюда и произошло новое веяние в творчестве.
Матисс будто играл на нервах критиков, демонстрируя данную работу. На ней изображена женщина в большой несуразной шляпе. Да и сама героиня мало чем напоминает настоящую женщину. Умышленно созданные кричащие цвета, несмотря на противоречия вокруг, оказались довольно сочетаемыми между собой. Художник хотел придать своему персонажу некую самостоятельную жизнь, четко разграничив реальность и фантазию. В его работе дама живет сама по себе, ее черты лица невообразимым образом упрощены, будто специально изуродованы. Сочетание оттенков мажорного ряда (зеленый, желтый, красный, ярко-синий) придает картине приподнятое настроение и игривость. Подобный подход был крайне рискованным в те времена, несмотря на прогрессирующее искусство европейских стран.
Вызвав столь бурную реакцию на свою работу, Матисс будто радовался подобному. Современники утверждают, что он намеренно исключил наличие стандартов живописи в своих работах, чтобы показать обществу истинное лицо живописи — не связанное с рамками привычного и призванное вызывать реакцию. Картина «Женщина в шляпе» — отличное тому подтверждение.
Time: 02.11

Анри Матисс. "Мадрас Руж" (Красный головной убор), 1907 г. Барнс Фаундейшен (фонд Барнса - школа искусств и художественный музей-галерея в Мерионе, пригороде Филадельфии. Фонд был основан в 1922 году Альбертом К. Барнсом, американским изобретателем и коллекционером)

Анри Матисс (1869-1954) появился на свет 31 декабря 1869 года и стал первенцем торговца зерном, проживающего в Ле-Като-Камбрези в северной Франции. С малых лет Анри помогал родителям в лавке, которую старший Матисс держал в соседнем местечке. Несмотря на полную погруженность в торговлю, старший сын не захотел становиться наследником семейного дела и после окончания лицея уехал в столицу учиться на юриста. Он сдал выпускные экзамены, получил право на работу по специальности и в 1888 году, вернувшись в родную провинцию, поступил клерком к присяжному поверенному. Анри Матисса ждала стабильная жизнь провинциального юриста. Если бы не случай, который кардинально изменил судьбу молодого человека. У Анри случился приступ аппендицита. Долгие два месяца ему пришлось отсидеть на вынужденном карантине, восстанавливая здоровье, подорванное болезнью и операцией. Чтобы скрасить скучные будни сына, мать принесла ему рисовальные принадлежности. И Анри Матисс настолько увлекся копированием открыток, что после выписки из больницы поступил в школу рисунка, после чего бросил юридическую контору и отправился в Париж, чтобы продолжить обучение живописи. Первая серьезная выставка случилась в 1896 году в рамках Салона Национального общества изящных искусств. Мероприятие прошло успешно — две из пяти работ приобрело государство. А вскоре Матисс женился, принял в свою семью внебрачную дочь Маргариту и поехал с супругой отдыхать на побережье Средиземного моря. И именно там у него появилась идея фовизма, которую Матисс облек эту идею в конкретную форму и неудивительно, что стал лидером направления, возглавив движение и создав ряд ярких и оригинальных произведений. Матисс много путешествовал, часто ездил в Германию, побывал в России и в Африке. Прожив достаточно длинную и насыщенную событиями жизнь, стал свидетелем двух войн XX века и скончался 3 ноября 1954 года в Ницце.

На этом поразительном портрете изображена Амели Матисс, жена художника, которая пристально смотрит на зрителя. Амели часто моделировала для своего мужа, позировав на некоторых из великих революционных полотен начала 20 века. Когда Матисс впервые выставил эту картину в 1907 году, критика не очень ее восприняла. Матисс сознательно бросает вызов традициям портретной живописи, искажая тело своего объекта и вместо этого сосредотачиваясь на цвете и узоре.
Time: 02.13

Некоторые, уже изрядно приняв на грудь, называют её Кока-Кола:

Франсис Пикабиа. "Cocolo", 1936-1938 гг. Частная коллекция.

Францис Пикабиа́ (1879—1953) — французский художник-авангардист, график и писатель-публицист. Франсис Пикабиа получил известность как эксцентричный художник, не подчиняющийся никаким политическим или стилистическим догмам. Он оказал большое влияние на современное искусство, в частности, на дадаизм и сюрреализм.
Период репрезентаций испанских женщин - важный период в творчестве Пикабиа.
Он представляет этих женщин, матерей, любовниц, экзотических людей, с глазами и волосами цвета угля с некоторыми деталями, которые вносят латиноамериканский колорит.
«Коколо» - это модель, дающая нам столько эмоций: ее изгибы чувственны и в то же время по-матерински, от ее взгляда исходит определенная форма скромности, а в положении руки, несмотря на ее наготу, простая красная лента в волосах придает ей весь ее испанский характер.
Таким образом, картина, которая здесь представлена, особенно хорошо отражает то, что любил рисовать Пикабиа. Францис любил повторять: "Я думаю, что каждый найдет что-то для себя. Есть люди, которым не нравятся машины: я предлагаю испанских девушек.
Если бы им не нравились испанцы, я бы сделал их французскими… "
Time: 02.15

Эта картина была обнаружена спустя 23 года после ее кражи. Работа стоит порядка 66 миллионов долларов. Полотно было украдено в 1997 году и входило в список самых разыскиваемых предметов искусства Италии:

Густав Климт. Портрет женщины. 1916—1917 гг. Холст, масло. Галерея современного искусства Риччи Одди, Пьяченца.
Густав Климт (1862-1918) - блестящий австрийский художник-символист и один из самых выдающихся членов венского движения в стиле модерн. Работы Климта, известные сложными, явно чувственными картинами и фресками, охватывают темы возрождения, любви и смерти. Эклектический диапазон влияния Климта включал египетский, классический греческий, византийский и средневековый стили. Значительное творческое наследие Климта все еще находит отклик в современном искусстве.

Работа «Портрет женщины» датируется 1916–17 годами и изображает молодую женскую фигуру с темными волосами и румяными щеками на зеленом фоне, написанную в живом экспрессионистском стиле. Необычайный стиль исходит из особенностей биографии самого художника. Жизнь его была наполнена постоянным сердцебиением: смертью его сына, возлюбленной и быстрой смертью его отца и брата, что впоследствии привело его мать и сестру к быстрой депрессии. Действительно, в жизни Климта не было места спокойствию, что проявилось и в его творчестве.
Первоначально приобретенная в 1925 году Galleria Ricci Oddi в северном итальянском городе Пьяченца, картина пропала без вести в феврале 1997 года во время подготовки к выставке, на которой в качестве звезды показа должен был быть представлен этот портрет. Рама была найдена выброшенной на крышу. Казалось, попытки найти полотно стоимостью 66 млн. долларов тщетны... Данная картина Климта слишком известна для того, чтобы попытаться ее продать на черном рынке — ограбление, скорее всего, было сделано по заказу. Но судьба улыбнулась поклонникам Климта: картина была найдена во время работы садовника, который решил расчистить заросший плющ со стены галереи современного искусства в Пьяченце, на севере Италии. В декабре 2019 года из углубления в наружной стене галереи был обнаружен мешок с пропавшей картиной. Садовник в одночасье стал миллионеом, получив от Фонда Всемирного наследия под эгидой ЮНЕСКО вознаграждение в размере 10% от страховой стоимости картины. Удачная работа, однако!
Что было необычного в «Портрете женщины»? За 10 месяцев до его кражи студентка художественного факультета Клаудия Мага сделала удивительное заключение: оказалось, что портрет был нарисован поверх другой картины Климта «Портрет молодой девушки» (в шляпе и с шарфом), которая исчезла в 1917 году:

Итак, тогда, в 90-е, Магда увеличила изображения и наложила их одно на другое: позы и общие очертания полностью совпадали! Студентка поделилась своим открытием с директора галереи Фернандо Ариси. Он организовал рентгеновские анализы. И результат подтвердил догадку студентки. Оригинальная картина была посвящена молодой девушке из Вены, в которую Климт был влюблен. Но после внезапной смерти героини художник решил закрасить портрет, чтобы забыть боль смерти.
Произведение искусства пропитано оттенками синего и зеленого. Фон покрыт зеленым моховым оттенком, с небольшими градациями светлых и темных цветов. Более теплый синий цвет используется в ореоле вокруг лица героини, чтобы подчеркнуть вгляд музы, когда она глядит на зрителя. «Портрет женщины» изображает женщину в слегка наклонном положении. Эта поза позволила художнику подчеркнуть изящность и очертания фигуры. Классическая изюминка Климта - розовая щека на лицах героинь (эта деталь добавляет живость и яркость блеклой палитре). Округлые брови женщины словно обнимают ее глаза. Губы женщины окрашены в кроваво-красную помаду, приоткрывающие ее маленький рот и проблеск зубов. Интересный акцент на лице женщины - черная родинка, расположенная под ее глазом (она добавляет героине кокетства). Женщина одета в узорчатое белое платье с высокой горловиной. Цветы на платье отлично смотрятся с оттенком помады героини и подходят под цвет ее бездонных глаз.
Таким образом, Густаву Климту удалось создать непревзойденный портрет женщины, скрывающий под собой тайный портрет его возлюбленной. Величайший модернист своего времени, невероятный символист Густав Климт оставил нам прекрасное наследие из 230 картин, которые продолжают оказывать значительное влияние на молодое поколение художников.
Time: 02.16

Эту картину мы в шутку называем "Мурка". Как-то уже утомлённая просмотром барышня, посмотрев на этот рисунок, фыркнула: "Это и я так накалякаю.." Мы тогда с другом были и Костя сразу вспомнил сцену из "Место встречи..." когда Шарапов решил удивить бандитов, виртуозно сыграв на пианино Шопена, но они это не оценили и шестёрка по кличке Промокашка сказал: "Да это и я так могу. Ты нам лучше "Мурку" сбацай!"

Анри Матисс. La fleur (сериграф), 1937 г. Частная коллекция.

Казалось бы, элементарный рисунок. Но в том то и дело, что если вы прямо сейчас сядете и попробуете тоже самое изобразить - поймёте, что ничего не выходит и гармонии, как в Матисса, как не бывало. Отсекать лишнее - это настоящий талант. "La Fleur" (фр.- цветок) - это элегантный рисунок тушью Матисса, который считал, что рисование линий было "самым чистым и прямым переводом" его идей. Творческий процесс Маттисса строился на силе и красоте его линии. Здесь представлен сериграф, т.е. шаблон для трафаретной печати, который потом завершается многократным и послойным наложением краски.
1930-е годы стали временем, когда художник попытался подвести итог своим открытиям. Для усиления впечатления, он перенёс в монументальную живопись приемы графики. Графическое наследие Матисса - выдающееся явление в художественной жизни западноевропейского искусства XX века. Поиски равновесия и гармонии, мысль о единстве человека с природой, чистота и поэтичность образов, стремление к красоте определяют место Матисса-графика в современном искусстве. В графике Матисс использует разнообразные материалы (сангина, уголь, карандаш, тушь) и различные виды техники (литография, гравюра, рисунок). Матисс создает многочисленные рисунки, графические серии, оформляет книги и журналы. В графике художником созданы монументальные произведения - настенные росписи и большие композиции из цветной бумаги (декупажи).
Time: 02.18

Анри Матисс. Портрет Лидии Делекторской, 1947 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Картины Анри Матисса, признанного гения мировой живописи, сегодня входят в систему коллекции музеев и продаются с молотка на аукционах за миллионы долларов. Влюбленный в культуру Востока, он неоднократно писал портреты смуглых красавиц, однако в последние годы на его полотнах все чаще стал появляться совершенно иной образ. Это был образ русской женщины, сибирячки, которую художник называл "казашкой" или "татаркой". Имя Лидии Делекторской хорошо известно искусствоведам. Эта женщина стала музой Матисса, его помощником, другом, опорой. Многие спорят, была ли любовницей, узнать правду сегодня вряд ли возможно. Сама Лидия называла Анри смыслом своей жизни, восхищалась его творчеством, самозабвенно помогала в мастерской, отчищая от краски старые холсты, и даже ухаживала за женой Матисса, Амели, во время ее болезни. История жизни Лидии Делекторской до встречи с известным живописцем складывалась несчастливо. В детстве она пережила смерть родителей от тифа, были годы, проведенные с теткой в ​​Китае, куда сбегали российские мигранты в поисках лучшей жизни, там же в китайском Харбине Лидия вышла замуж за российским беженца, а через несколько лет вместе с мужем уехала в Париж. Брак оказался трагическим: муж мог поднять руку на Лидию и, кроме того, увлекся наркотиками, так что девушке не оставалось ничего, как уехать от него. В поисках лучшей жизни она отправилась в Ниццу, где и произошла судьбоносная встреча. Вначале Лидия устроилась помощницей в мастерскую Матисса, совершенно равнодушная к творчеству художника, - девушке, воспитанной традицией классического искусства, не была понятна манера письма живописца. Однако годы шли, Лидия оказалась по-настоящему преданной семье Матисса. Ее образованность, интеллигентность, природная грация и красота, изысканный стиль и сдержанность - все это не могло оставить равнодушным Анри. Открыв для себя ее цельный образ, художник так увлекся, что вновь и вновь писал портреты своей музы, и дважды в год преподносил ей их в качестве подарка. Спустя много лет, Лилия Делекторская преподнесла свои портреты в дар русским музеям. Лидия прожила 22 года в доме Анри, покинув его лишь после смерти художника.
Time: 02.20

Его работы - это мысли о сущности человека, его душе и том невидимом мире, который зримо всегда рядом с нами.

Луи Вельден Хокинс. "Маска", 1905 г. Galerie Hopkins-Thomas, Париж.
Луи Вельден Хокинс (1849–1910) – французский художник-символист англо-австрийского происхождения (получил французское гражданство в 1875 году). Родился Хоукинс в 1849 году в Штутгарте. Мать будущего художника Луиза Споранси, баронесса фон Велден, была дочерью австрийского фельдмаршала, отец – британским морским офицером. Луиса Хоукинса ожидала военная карьера, но в 1873 году он порвал с семьёй и уехал в Париж учиться живописи. Начинающий художник поступил в Академию Жюлиана (частная академия художеств) и в 1881 впервые показал свои работы публике. В начале творческого пути Хоукинс писал символистские полотна, но в зрелости стал предпочитать пейзаж. Последние годы жизни художник провёл в Бретани (на северо-западе Франции) и сильно нуждался в деньгах. Стремясь повысить доход своей семьи, на рубеже веков Хокинс занялся изготовлением масок и вееров. Они оказались наиболее популярными на Всемирной выставке 1900 года, и их примером являются "Маска", представленная выше, нарисованная черным мелом и карандашом. В то время их стиль "ар-нуво" считался очень модным.
Time: 02.22

Рене Магритт непостижим,
Он непохож ни на кого,
Его «Влюблённые» слепы,
Совсем не замечают зло,

И растворяется мираж,
Магритту кисть подчинена,
Нет облика прелестней, чем
Жоржетты юной красота!

И замысел тревожит нас
И восхищает, и дивит,
Что сорок пять прекрасных лет
Прожить им вместе предстоит:

Рене Магритт. "Цветы зла", 1946 г. Королевские музеи изящных искусств Бельгии, Брюссель
История его любви к одной единственной женщине уходит глубоко корнями в детские годы. Именно тогда мальчишка познакомился со своей будущей суженой, и именно с тех пор они были практически неразлучны. Дочь мясника, жившего по соседству, Жоржетта Бергер стала свидетельницей того, как Рене принял неожиданное решение стать художником. Это было уже после смерти его матери, когда прогуливаясь по кладбищу, они увидели живописца за работой. В скором времени девушка переехала жить в Брюссель, а Рене, решив учится на художника, отправился следом. С учебой не сложилось, а после армейской службы Рене сделал девушке предложение, и молодые в 1922 году обвенчались. Жоржетта стала не только любящей и преданной женой, она была для Магритта музой и моделью, с которой он писал все женские образы, в том числе и на представленной здесь картине "Цветы зла". Рене Магритт скончался в 1967 году от рака поджелудочной железы, а Жоржетта пережила своего мужа почти на 20 лет.
Рене Франсуа Гислен Магритт (1898–1967) – один из самых великих, но и загадочных живописцев ХХ века. Практически каждая его картина – неожиданная, парадоксальная, иногда философская, иногда озорная, иногда и хулиганская, но загадка. Реальная, детальная действительность не привлекала Магритта. Он вообще считал, что не существует "простого мира". "Мир хоть и реален, но непостижим, – писал он. – Основа его – часто не та, какой видится". Действительно, Магритт был убежден, что самая сокровенная тайна скрывается в простой обыденности, свойственной всем вещам. И он писал обычный видимый мир, но оказывалось, что мир этот полон таинственной сути. Например, художник изображает мужчину и женщину, прижавшихся друг к другу в любовном порыве. Картина так и названа – «Влюбленные». Вот только лица их закрыты белыми холстами. Они хоть и рядом, но не видят ни друг друга, ни прекрасного мира, изображенного за ними. И ведь сколь точный и емкий символ! Ведь люди, полностью погруженные в свою любовь, действительно уже не видят мира вокруг, но ведь они не видят и друг друга – для каждого ценно именно его собственное чувство.
"Не стоит напрягаться, – написал как-то Магритт другу. – Таинственное окно откроется, если захочет само. Надо только всегда быть к этому готовым. Ведь за любым покрывалом может быть своя тайна".
Искусствоведы причисляют Магритта к сюрреалистическому направлению, сравнивая с Сальвадором Дали, или к авангардистскому, соединяя с живописью этой школы. Однако наиболее прав сам художник, однажды заметивший, что он – "художник мысли". А "мысль реальна, когда она становится тем, что ей предлагает мир, и когда это предложение она возвращает таинству, без которого никакой мир и никакая мысль не были бы возможны".
Time: 02.24