Что есть Истина?

Моисей: всё есть Бог
Христос: всё есть Любовь
Маркс: всё есть Деньги
Фрейд: всё есть Секс
Эйнштейн: всё относительно

Альфонс Муха. "Мечтательность", 1897г. Частное собрание.

«Мечтательность» — плакат чешского художника Альфонса Мухи, выполненный в технике цветной литографии, предназначался в качестве обложки календаря Champenois 1898 года. На плакате «мечтательность» символизирует молодая женщина в белых одеждах, которая будто бы отвлеклась на мгновение, листая свой альбом. Мотив мечтающей женщины сливается с обрамляющими её цветами в единый декоративный элемент. Однако, картина стала популярна сама по себе как прекрасный образец стиля арт нуво. Все работы Мухи отличаются своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов — иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступно-роковая, но всегда обаятельная и миловидная. Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского или восточного происхождения.
Рекламный постер велосипедов Cycles Perfecta, выполненный по заказу британского производителя велосипедов, Муха создал в 1902 году, и практически сразу он подвергся резкой критике за слишком фривольную позу изображенной девушки: рекламные плакаты велокомпаний того времени изображали, как правило, скромно одетых женщин с убранными волосами, едущих по сельской местности. Муха передаёт динамизм посредством развевающихся на ветру волос молодой женщины, склонившейся над велосипедом:

Альфонс Муха. "Cycles Perfecta", 1902 г. Частное собрание
В 1906 году, уже сорокашестилетним, прославленным, он женился в Париже на своей юной ученице и соотечественнице Марии Шитиловой. Она была и оставалась до конца жизни его любимой Музой, его моделью. Была младше художника на 22 года. И обожала его. Искренне и бескорыстно. Ибо к моменту их брака его долги были гораздо больше его состояния. Однако они оба знали: деньги - вещь наживная, и при неровных, нерегулярных достатках родили и вырастили двух дочерей - рыжеволосых красавиц, так похожих лицом и статью на ослепительную мать. Потом он рисовал и их, дочерей - молодых, свежих. И в поющих линиях их фигур, в их чертах находил все ее же, свою обожаемую Марию, ибо до последнего часа не хотел и не мог избавиться от ее чар.
Умер Альфонс Муха незаметно, 14 июля 1939 года, держа в ладони руку Марии. Он был в тяжком предчувствии еще большей беды. Ведь уже началась вторая мировая война. Уже четыре месяца сапоги нацистов топтали землю его романтически любимой родины. Перед ним на стене висели эскизы его последних рисунков. Наброски для почтовых марок. Как всегда, полные красоты и изысканности. Что ж, его любимый девиз с ранней, несытой юности: «Бедные тоже имеют право на красоту» - он осуществил сполна.
Time: 02.26; 02.28.

Это слово из трех букв стало не менее популярным, чем то, которое мы видим на заборах и на фотках этого сайта. Это слово мы произносим, когда сталкиваемся с чем-то непонятным, необъяснимым, но... прекрасным и волнующим. И если в интернете мы пишем в таких случаях две буквы ХЗ, то в реале произносим три: С-Ю-Р. И всё благодаря ему, который сам о себе так и сказал:
Сюрреализм – полная свобода человеческого существа и право его грезить. Я не сюрреалист, Я – СЮРРЕАЛИЗМ!

Сальвадор Дали. "Взрывающаяся рафаэлевская голова", 1951 г. Шотландская национальная галерея современного искусства, Эдинбург.

Сальвадор Дали (1904-1989) – известнейший сюрреалист и один из самых влиятельных деятелей искусства 20-го века. К славе его привёл эксцентричный характер, уникальный талант и чрезвычайно творческий стиль живописи. Формирование художественного мастерства Дали проходило в эпоху раннего модерна, когда его современники в значительной степени представляли такие новые художественные течения, как экспрессионизм и кубизм. В 1929 году молодой художник примкнул к сюрреалистам. Этот год отмечен важным поворотом в его жизни, поскольку Сальвадор Дали встретил Галу. Она стала его любовницей, женой, музой, моделью и главным вдохновением.
Так как он был блестящим чертёжником и колористом, Дали почерпнул много вдохновения от старых мастеров. Но он использовал экстравагантные формы и изобретательные способы, чтобы составить совершенно новый, современный и инновационный стиль искусства. Его картины отличаются использованием двойных образов, ироничных сцен, оптических иллюзий, сновидческих пейзажей и глубокого символизма. На протяжении всей своей творческой жизни Дали никогда не ограничивался одним направлением. Он работал с масляными красками и акварелью, создавал рисунки и скульптуры, фильмы и фотографии. Даже разнообразие формы исполнения не было чуждо художнику, в том числе создание ювелирных изделий и других произведений прикладного искусства.
Сальвадор Дали не страдал фобиями, он ими упивался. Многие его патологические страхи уходили корнями в детство, к примеру, боязнь покраснеть в обществе (эрейтофобия) и страх перед кузнечиками. Страх вызывало женское тело, а также отцовство. В творчестве великий сюрреалист согласовывал свои сильные фобии с глубокими увлечениями. Дали был одержим эротикой, мастурбацией и снами. Он изображал головы, яйца, слонов, ракообразных, бабочек. Появление каждого элемента на его холсте можно обосновать по Фрейду. Сюрреалистические образы Сальвадора Дали сохраняют свою эффектность десятилетия спустя, на них всегда стоит взглянуть ещё раз. По некой иронии, невзирая на любовь к яйцам, Дали был в ужасе от их происхождения. Женская сексуальность и её составляющие приводили его в ужас. В картине «Кровоточащие розы» он буквально изобразил кровь, истекающую из органов женской брюшной полости. В «Приспосабливаемости желаний» львиные головы обозначают зубастые влагалища. Этот мощный образ представляет потенциал женщины травмировать или даже кастрировать мужчину во время полового акта – основной фобии Дали. (Привет Ларисе, которая пропагандирует кастрацию как средство обретения свободы для мужчины) Сальвадор Дали испытывал отвращение к сексу, но был одержим мастурбацией. Даже распространено мнение, что это была почти единственная форма его сексуальной активности. К этой увлечённости обнаруживаются ссылки в картинах «Великий мастурбатор» и «Гитлер мастурбирует». В сюрреалистической работе «Мрачная игра» также присутствует мотив руки в различных вариациях. Сохраняя верность своей парадоксальной природе, Дали боялся смерти, но не отходил от этой темы. Черепа как представление человеческой смертности, регулярно появляются в его картинах. В произведении «Испарившийся череп содомизирует рояль на коде» череп деформирован и встревожен. В картине «Лицо войны» символ смерти приумножен многократным изображением черепов в отверстиях уродливой головы. Книги Зигмунда Фрейда, особенно «Толкование сновидений», привели художника в восторг. Они даже встретились незадолго до смерти психоаналитика. Дали откликнулся на подход Фрейда к скрытым тайникам подсознания, источнику снов и движущей силы творчества художника. Картины «Антропоморфный шкафчик» и «Жираф в огне» стали примером использования ящиков, встроенных в человеческую фигуру, чтобы показать скрытые аспекты личности.
Став известным художником, Дали обратился к религиозной тематике в конце 1940-х годов. В детстве Дали столкнулся с противоречием. Его мать была глубоко верующей католичкой, а отец выказывал отвращение к религии. В зрелые годы художник пережил обновление веры и заинтересовался традиционной иконографией христианства. Он увлёкся её метафизическими аспектами и возможностью интеграции религии и науки, в частности, квантовой и ядерной физики. Он зачитывался выпусками научно-популярного журнала «Scientific American» и любил обсудить его содержание. Это был атомный век.
Под впечатлением от ядерного оружия Сальвадор Дали написал картину «Взрывающаяся голова Рафаэля». Это одна из самых узнаваемых и впечатляющих картин Сальвадор Дали. Фрагментированные формы в данной картине коренятся в интересе Дали к ядерной физике. Испытав глубокое впечатление от открытий, приведших к созданию атомной бомбы, художник стал приверженцем «ядерной живописи» и «ядерного мистицизма», каковы бы ни были его заслуги (или, наоборот, грехи) как теоретика, эти взгляды послужили созданию произведений искусства, в которых оригинальность Дали усиливается. Голова похожа на одну из Мадонн Рафаэля — образов классически ясных и спокойных, одновременно она включает в себя купол римского Пантеона с падающим внутрь потоком света Оба образа хорошо различимы, несмотря на взрыв, разбивающий всю структуру на небольшие фрагменты в форме носорожьего рога.
Time: 02.30

Продолжение темы головы, как ключевого элемента этого топика:

Сальвадор Дали. "Голову бомбардируют зерна пшеницы". 1954 г. Частная коллекция

Приглядевшись, мы найдем здесь все характерные приемы, которыми пользовался Дали в период ядерного мистицизма - и фрагментацию образа, который в нашем случае складывается из зерен и колосьев пшеницы, а также особенно рьяно воспеваемых в то время художником носорожьих рогов, и "подсмотренность" образа у мастеров Ренессанса, и религиозную направленность, которая прослеживается и в выборе объекта, которым бомбардируется "голова" (пшеница, то есть хлеб, ключевой для христианства символ)...
А приглядевшись к пейзажу, мы тут же узнаем родной для Сальвадора Дали с самого детства Кадакес (городок вблизи Барселоны), на белую церковь которого, придавая ей золотистый оттенок, падают лучи заходящего солнца...
Может показаться, что "Голова.." написана в едином мгновенном порыве, однако стоит взять лупу и разглядеть картину детальнее, станет понятно, что это совсем не так: такое количество тщательно написанных деталей обнаружим мы при более близком рассмотрении.
Картины Сальвадора Дали сложно интерпретировать, дать логическое пояснение тем или иным образам, деталям, прочитать их смысл. Всё потому, что состоят они из визуальных каламбуров, шизоидных образов, аллюзий, построены на игре смыслами и сюжетами. Изощренные по мастерству картины Дали представляют собой кошмарные фантасмагории художника, бредовые видения и образы живописца, в которых противоестественные ситуации и нарочито бессмысленные сочетания предметов приобретают видимую реальность, своеобразную логику и убедительную достоверность. Эстетической концепции сюрреализма соответствовало всё в художнике: его мышление, манера поведения, безумие, свобода от моральных предписаний и стереотипов поведения, эмоциональность и открытость. Дали — это эпатаж в искусстве и жизни. Он всегда делал только то, что хотел, и писал о том, что считал уместным. Поэтому не удивительно, что публику шокировали его художественные эксперименты. Это направление в искусстве давало возможность художнику откровенно рассказывать о самом сокровенном: касаться темы секса и эротики, сексуальных извращений и подавленных сексуальных желаний, разрушения и саморазрушения человека. Но главная тема его полотен — это иллюзии, в мире которых обретается человек.
Time: 02.31

Я вначале не понимал картины Дали, даже находясь под привычным кайфом в
40°. И лишь когда курнул по молодости, что-то начало проясняться...
Ну а с годами и без этого с приобретением опыта и жизненных знаний всё больше открываешь для себя тайные смыслы, заложенные в его картинах. Тем более, что окружающая реальность всё больше и больше похожа на мир Сальвадора Дали:

Сальвадор Дали. "Явление лица и вазы с фруктами на берегу моря", 1938 г. Водсворт Атенеум, Хартфорд, Коннектикут, США

Эта фантастическая живопись особенно интересна, так как в ней автор использует двойные образы, наделяющие само изображение многоуровневым смыслом. Метаморфозы, удивительные сопоставления объектов и скрытые элементы характеризуют сюрреалистические картины Дали
Данная работа художника демонстрирует метаморфозы, скрытые смыслы и контуры предметов. В центре картины расположена ваза с фруктами. Ножка этой вазы играет роль переносицы в лице, проявляющемся в этой метаморфозе. В то время как передний план занимает большую часть внимания зрителя, на заднем плане можно увидеть некоторые действия нескольких людей, а также еще одну вазу с фруктами. Также в метаморфозах картины скрываются изображения двух собак.
На протяжении своей долгой жизни Дали создал около 1500 картин, сотни иллюстраций для книг и литографий, огромное количество рисунков (в том числе и рисунки для театральных декораций и костюмов), десятки скульптур и других параллельных проектов в области фотографии и кино, в том числе анимационный короткометражный фильм для студии Уолта Диснея. Несмотря на свой разрыв с движением сюрреализма, Дали никогда не переставал быть художником-сюрреалистом.
В искусстве Сальвадора Дали с огромной выразительной силой воплотились как человечные, полные героического пафоса идеалы левого движения 20-30-х годов двадцатого века, так и трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания, характерное для эпохи развитого капитализма и алчного транснационального глобализма.
Time: 02.33

С большим интересом ознакомился с информацией о Сальвадоре Дали.
Вот лайки как раз не ему, а информации.
Высоцкий пел :"Пусть впереди большие перемены, я это никогда не полюблю"
Пусть там даже уникальные детали и фрагменты, суперцвета, техники и образы.
Для меня эта прелесть ассоциируется с красотой драных джинсов.
Да, я понимаю - это модно. Возможно, я ретроград. Но у меня драные коленки
вызывают отвращение.
А что касается Дали, процитирую Фаину Раневскую.
"Она (Сикстинская Мадонна) уже стольким нравилась, что может сама выбирать, кому нравиться, а кому нет."©
За интересную информацию спасибо большое.

Да мне самому, Коля, уже давно "стали слишком малы эти драные джинсы". Я никогда не гонялся за модой, бывает даже наоборот - она меня догоняет, а я сопротивляюсь до последнего) Но вопрос же в другом - мы здесь как бы пытаемся найти ответ на сакраментальные вопросы, волнующие человека уже не одну тысячу лет. Один из основных таких вопросов вынесен в названии топика. И интересно, как гении в разные эпохи видели это через свои творения. И как бы не относиться к Дали, мне кажется именно он ближе всех подошёл к ответам. Но об этом, я думаю, мы ещё поговорим на финише нашего вернисажа)

Есть моменты в жизни известных людей, например актеров, которые, как бы они не старались, ассоциируются с одной ролью. Такое случается и среди художников, чье имя всегда возбуждает в памяти один образ. Согласитесь, что Малевич стало уже именем нарицательным для непонятного искусства, ведь услышав его имя многие сразу вспоминают о черном квадрате, а увидев черный квадрат, сразу думают о Малевиче. Но ведь он писал и другие, удивительные и чудесные картины:

Казимир Малевич. "Торс женщины", 1928—1929 гг. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Этот странный безликий "полуобраз" (так называл работу "Торс женщины" сам художник), зашифрованный в женской фигуре и торсе, существует по мысли К.Малевича, в параллельном мире, в пределах вымышленного художником Космоса, в пространстве без времени. Произведение вызывает ассоциации и с пластикой архаической скульптуры, и с деревянной игрушкой, и с модернистским манекеном. В Женском торсе он воплотил совершенную в своем роде формулу, строгой выверенностью линий, плоскостей, овалов сконструировав безупречный женский облик. В идеальной постсупрематической героине отдаленным эхом звучит "белый супрематизм": светлая половина фигуры едва проступает на белом фоне, однако ее невесомость каким-то непостижимым образом уравновешена плотной яркой цветностью другой части. Этот впечатляющий контраст двух неслиянных и нераздельных половин единого целого порождает глубинные отклики на разных уровнях восприятия, от чувственно-поэтического до нравственно-философского.
Казимир Северинович Малевич (1878-1935) родился на окраине Киева в семье управляющего сахароваренного завода Северина Антоновича Малевича. В этой польской семье появятся на свет ещё четырнадцать детей. Но для матери старший сын останется самым любимым. Людвига Александровна станет его опорой в последние годы жизни, она ослепнет от горя после его смерти и погибнет в блокадном Ленинграде. Отцу Казимира приходилось по работе много ездить, и он часто брал с собой сына. Детство живописца прошло в украинских селениях, окружённых свекольными полями. Интерес к краскам в Казимире разбудила случайная встреча, которой другой на его месте просто бы не придал значения. Однажды мальчик обратил внимание на маляра, красившего крышу, "которая становилась зеленая, как деревья и как небо". Дождавшись, пока мастер уйдет, он забрался на крышу и сам стал красить её. У него ничего не вышло, но он не расстроился, уж "очень приятные ощущения испытал от самой краски и кисти".
Когда Казимиру исполнилось восемнадцать, семья Малевичей перебралась в Курск. В этом городе будущий художник проведёт более десяти лет, женится на дочери местного фельдшера Казимире Зглейц. У них родится двое детей - Анатолий и Галина. Сын умрет от тяжёлой болезни в четырнадцать лет, а дочь переживет и громкую славу отца, и полное его забвение (она уйдет из жизни в 1973, так и не увидев, как картины Малевича достанут из запасников и с гордостью развесят в залах Третьяковки). Когда жена ему изменила с каким-то полковником, Малевич перебирается в Москву, где в 1909 женится на детской писательнице Софье Рафалович. У её отца, врача Михаила Фердинандовича, был дом в подмосковной Немчиновке, ставшей для художника любимым местом на земле. До конца жизни всё свободное время он старался проводить там, там же и завещал себя похоронить.
Попав в среду авангардистов (так в России называли всех представмтелей модерна - от поэтов до художников), у Малевича открываются способности к супрематизму - искусству чистых, простейших форм - квадрата, креста, круга, которые создают на холсте собственную гармонию, по своему организуют пространство. Несколькими годами позже, почти все двадцатые, в русском авангардном искусстве будет идти борьба между Малевичем и его бывшим единомышленником Татлиным, между супрематизмом и конструктивизмом. Они делят, ни много, ни мало, Вселенную. Как подметит прекрасно знавший обоих Николай Пунин, "Татлин обычно закреплял за собой Землю, пытаясь столкнуть Малевича в небо" (Малевич считал, что искусство должно покинуть Землю, как "дом, изъеденный шашлями"). И тот, и другой видели себя демиургами, творцами нового мира. Таким самостоятельным миром было для них искусство. Не случайно понятие "спутник Земли" как обозначение межпланетного летательного аппарата впервые использовал именно Малевич, выводя принципы его работы вовсе не из законов физики, а из пластических принципов супрематизма.
Time: 02.35

Как метко подметила моя подружка, фанатка футбольная: "Вот так вот я выгляжу после 3-х дневного "зависания" у тебя":

Кнуд Мерринд. "Американская красавица (Кинозвезда)", 1928 г. Частное собрание.

Это произведение довольно анахронично, так как многие художники уже выполняли аналогичные работы в Европе, даже в межвоенный период. Однако именно сатирический элемент в сочетании с вниманием к формальному дизайну привлекает к этой композиции.

Кнуд Меррилд (1894-1954) изучал искусство и дизайн в Дании и иммигрировал в США в 1921 году. Он и другой датский художник, Кай Гётше, путешествовали и познакомились с английским писателем Д.Х. Лоуренсом. и его женой Фридой, которые и убедили их остаться в Нью-Мексико на зиму. В 1923 году Меррилд уехал в Лос-Анджелес на следующие 30 лет. Там он провел самый плодотворный период своего творчества, выпустив несколько сотен работ в различных стилях, одна из которых здесь и представлена. Ранние работы Меррилда были вдохновлены кубистскими картинами и акварелью. Позже он экспериментировал с разными материалами, пытаясь создать работы с трехмерным изображением. Его работы в основном описывались как сюрреалистические и были включены в недавние обзорные выставки, посвященные сюрреализму в США. В 1942 году он разработал совершенно новую технику рисования, которую он назвал "флюс", - процесс, с помощью которого он попеременно наливал или капал краски на жидкую поверхность. В некоторых случаях полученные работы были полностью абстрактными, в то время как в других можно было распознать конкретные изображения. В 1952 году Меррилд перенес сердечный приступ и вернулся в родную страну, где и умер в 1954 году.
Time: 02.37

Человеческое лицо - наивысшее создание природы.
Для меня это неисчерпаемый источник.
Амедео Модильяни.

Амедео Модильяни. "Портрет Лунии Чеховской", 1919 г. Государственный музей имени Пушкина, Москва.

В истории французской живописи начала XX века есть огромное количество имен, без упоминания которых говорить о современном искусстве практически невозможно. И одним из важнейших художников Парижской школы, безусловно, является Амедео Модильяни (1884-1920). Он родился в итальянском Ливорно и учился в флорентийской "Свободной школе обнаженной натуры", но главным городом для него, как и для всех его современников-интеллектуалов, поэтов и художников, стал Париж. Сюда он приехал в 1906 году, не имея практически никаких средств к существованию. Он снял небольшую студию на Монмартре, где обитала вся творческая элита, и начал посещать занятия в Академии Коларосси, а также занимался копированием живописных произведений в Лувре и парижских церквях. Он быстро вошел в художественные круги и стал типичным и вместе с тем очень талантливым представителем богемного Монмартра; скорее, даже он был последним истинным представителем богемы.
Стиль Модильяни уникален, а сам мастер остался верен своим взглядам и мироощущению не взирая ни на какие жизненные трудности. Хотя мог писать на заказ то, что нравится публике. Его стиль относят к экспрессионизму, но он настолько своеобразен, что трудно его вообще к чему-либо отнести. Ещё подростком Амадео сразу определился с жанром — портрет. Люди были для него всё, он жил их судьбами, он писал их потаённый внутренний мир. Его портреты объединяло состояние грусти, внутренней чистоты, отрешённости, за которой прячутся яркие переживания. Из-за чего глаза моделей часто были без зрачков. Художник был правдив и никогда не приукрашал своих героев, изображая их реальными, живыми, а иногда даже утрируя физические отклонения. Его фигуры и лица часто асимметричны, как, например, вытянутая шея в представленной здесь картине. Он был элегантен, несмотря на свою нищету, горд, умён и образован в отличие от многих современных ему художников. А его изысканность, утончённость и обаяние в совокупности с природной красотой и застенчивостью сводили с ума женщин. Среди них, кстати, была и Анна Ахматова, причём познакомились они когда поэтесса была в Париже в свадебном путешествии с Гумилёвым. Несмотря на приписываемый им роман, связь с художником она всегда отрицала, но нежное искреннее отношение к нему, и в первую очередь как к личности, сохранила до конца жизни.
Модильяни часто показывают как беспробудного пьяницу, наркомана и бездельника. Однако есть и другая сторона, где невзирая на свои пороки, он полностью отдавал себя любимому делу, где не просто крутил бурные романы, а любил и испытывал нежность. И все эти стороны в его жизни были с зашкаливанием. С зашкаливанием была и его последняя любовь. Тихая и скромная Жанна Абютерн была девятнадцатилетней студенткой художественного курса, подающей надежды. Она была его музой, благодаря присутствию Жанны в его жизни, фортуна начала поворачиваться лицом к художнику. Жанна любила и принимала его безоговорочно вопреки всем тяжестям и сопротивлению родных. Их любовь сравнивали с Ромео и Джульеттой. А их история закончилась также неожиданно и трагично: через год после рождения их дочери, в 1919 году здоровье Амадео начало заметно ухудшаться и через семь месяцев он попадает в больницу, где умирает от туберкулёзного менингита.
Наверное именно в этот момент все осознают ценность его творчества, и по словам современников, его работы начинают сказочно расти в цене с каждым шагом к кладбищу. А Жанна не выдержав расставания с любимым, будучи на 9 месяце беременности, выбросилась из окна в день его похорон. Так закончилась потрясшая всех история юной "Джульетты" и 35-летнего Модильяни, наконец получившего заветное признание.
Их первая дочь, воспитанная сестрой Модильяни посвятила себя изучению жизни художника и нелёгкому сбору его наследия. Сейчас это, пожалуй, самый копируемый художник.

Ты сидел на низенькой лестнице,
Модильяни.
Крики твои - буревестника,
Улыбки - обезьяньи.
А масляный свет приспущенной лампы,
А жарких волос синева!..
И вдруг я услышал страшного Данта -
Загудели, расплескались темные слова.
Ты бросил книгу,
Ты падал и прыгал,
Ты прыгал по зале,
И летящие свечи тебя пеленали.
О безумец без имени!
Ты кричал: «Я могу! Я могу!»
И четкие черные пинии
Вырастали в горящем мозгу.
Великая тварь -
Ты вышел, заплакал и лег под фонарь.

И. Эренбург, 1915г.
Time: 02.39

К финалу обычно подходим в таком состоянии, что дружно с пьяной задушевностью, подпеваем Жене Осину:
Мне снятся вишни губ
И стебли белых рук -
Прошло все, прошло,
Остался только этот сон.
Остался у меня,
На память от тебя,
Портрет твой, портрет
Работы Пабло Пикассо.

Пабло Пикассо. "Акробаты (Мать и сын)", 1905 г. Коллекция: Штутгарт. Государственная галерея.
Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) (1881–1973), испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Пикассо – изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее плодовитых художников в истории. Он создал более чем 20 тысяч работ. Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 он блестяще сдал приемный экзамен в Школу изящных искусств в Барселоне. Между 1900 и 1902 годами, Пикассо совершил три поездки в Париж и окончательно обосновался там в 1904 году, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар; отсюда во многом проистекает настроение его работ тех лет - в качестве моделей Пабло использовал, в основном, людей из низших слоёв общества: алкоголиков, проституток, нищих и других. Некоторые критики отмечают, что творчество Пабло Пикассо в этот период, называемым "голубым" из-за доминирования различных оттенков голубого и синего, похоже на творчество другого художника – Эль Греко. На такие мысли может навести необычайная схожесть людей на их портретах: бледные изможденные лица выражают вселенскую скорбь. Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона. После произведений "голубого" периода, картины "розового" периода представляют мир циркачей и бродяг.
Именно в этот период Пикассо создаёт свой знаменитый шедевр "Акробаты (мать и сын)". Мы видим, как за столом расположились мать с сыном, одетые в обтягивающую цирковую одежду. Перед ними стоит практически пустая тарелка, одна на двоих. Мать задумчиво опустила голову на руку, но в глазах прослеживается глубокая печаль и безысходности, а сын, отвернувшись от матери, с любопытством смотрит в противоположную сторону. Это был очень сложный период в семье цирковых артистов. Люди все время были в пути, вынужденные постоянно гастролировать, чтобы хоть как-то прокормить себя. Глядя на пустую одинокую тарелку на столе, в которой должен был быть вкусный обед, понимаешь, на сколько, бедны были артисты, ведь заработанных денег катастрофически не хватало на нормальное существование. Несмотря на отвергнутое лицо мальчика, также не сложно догадаться, какие эмоции присущи юному акробату, вынужденному уже с малых лет трудиться, чтоб заработать хоть какую-то копейку для своей семьи. Примечательно, что для своих работ данного периода, Пикассо использовал реальных персонажей из цирка Медрано.
В этот же период создаётся и другая не менее известная картина: "Материнство", 1909 г., находящаяся в чвстной коллекции:

Это очень простая картина. Нежная и не обращающая внимания на зрителя, одетая в нежно-розовое платье, мать кормит ребенка грудью в позе, напоминающей нам Мадонну с младенцем. Их взаимодействие - одновременно оживленное и умиротворяющее, вызывающее нежную лирику и умиротворяющий дух материнства.
Time: 02.41; 02.43.

Цитаты Пикассо:
И среди людей копий больше, чем оригиналов.
Все пытаются понять живопись. Почему они не пытаются понять пение птиц?
Все имеют право меняться, даже художники.
Есть художники, которые превращают солнце в желтое пятно,
но есть и другие, те, что своим искусством и своим разумом
превращают желтое пятно в солнце.

Пабло Пикассо. "Обнажённая женщина в красном кресле", 1932 г. Галерея Тейт Модерн, Лондон.

На этом портрете изображена Мари-Терез Вальтер, которую Пикассо любил, как едва ли кого-нибудь ещё в своей жизни. Они познакомились в 1927 году, когда первый брак Пикассо фактически развалился. Его связь с 17-летней Мари-Терез была на редкость бурной и чувственной, поэтому Пикассо с таким восторгом рисует её прекрасное юное тело, подчёркивая его изгибы. Эту картину Пикассо написал летом 1932 года в поместье близ Жисора, купленном художником для себя годом ранее. Правая рука Мари-Терез напоминает по форме крыло голубя - птицы, традиционно вызывающей романтические ассоциации. На фотографиях того времени можно найти Мари-Терез с голубем в руках. Этой её привязанностью к голубям, возможно, и объясняется указанный приём. Лицо изображено в виде почти правильного круга, но разделено пополам, чем достигается двойной результат. С одной стороны, это взгляд на лицо с двух точек зрения (анфас и профиль), а с другой - образ нежно целующихся влюблённых. Изогнутые подлокотники кресла, в котором расположилась Мари-Терез, повторяют формы её тела. Торс Мари-Терез и её бедра выписаны очень смело, округло, наводя на мысль о плодородии. Серо-голубой, похожий на окрас голубя, цвет кожи усиливает ощущение мягкости и теплоты.
Time: 02.45

Так говорил Пикассо. Цитаты:

Оставляй на завтра только то, что не жалко оставить недоделанным после своей смерти.
Искусство - это волшебство, помогающее переносить муку повседневности.
Жизнь продлевают только работа и женщины.
Мне нравится жить бедно... но с кучей денег в кармане.
Хороший вкус - худший враг творчества.
Искусство - это ложь, ведущая к истине.

Пабло Пикассо. "Портрет Франсуазы", 1946 г.

Не многим под силу жить рядом с гениями. Их сила, темперамент, независимость подавляет всех вокруг… Именно таким был Пабло Пикассо. На протяжении всей жизни возле него были женщины, которые боготворили его и сходили с ума в буквальном смысле. Но только лишь Француаза Жило, непокорившаяся муза, наполняла мастера жизненными силами 10 лет, сумев при этом не растратить свои.
Ему было 62, ей – 22. Француаза Жило была юной художницей, позирующей всемирно известному маэстро и берущей у него частные уроки. Через полгода их занятия переросли в бурный роман. Новые эмоции, конечно же, отображались в творчестве Пикассо. В 1946 году художник написал картину «Женщина-цветок», навеянную женственностью и непокорностью его возлюбленной. Их роман продолжался 10 лет. За это время Француаза подарила Пикассо двоих детей, Клода и Палому. Женщина мирилась с его взрывным характером, эгоизмом. Не могла она лишь простить ему измены. Француаза Жило не билась в истерике, не сходила с ума, не заканчивала жизнь самоубийством, как другие его жены. Она просто собрала вещи, забрала детей и ушла.
Позже любимая муза художника напишет книгу «Моя жизнь с Пикассо», чем очень разозлит мастера, но приобретет при этом всемирную популярность. Сейчас Француазе Жило 93 года. Она продолжает писать картины, издает книги, и, конечно же, вспоминает тот отрезок жизни, когда она была любимой музой взбалмошного гения со взрывным характером.
The End: 02.47.

Николай Ге – "Что есть истина? Христос и Пилат", 1890 г.
Передвижник Николай Ге регулярно умудрялся разделить зрителей на противоположные лагеря. Эта картина не стала исключением.
Название художник взял из Евангелия от Иоанна. Понтий Пилат вел допрос Иисуса: "Пилат сказал Ему: итак, Ты Царь? Иисус отвечал: ты говоришь, что Я Царь. Я на то родился и на то пришёл в мир, чтобы свидетельствовать об истине; всякий, кто от истины, слушает гласа Моего". Заканчивалась беседа риторическим вопросом от Пилата – что есть истина?
Именно этот последний вопрос к Христу и изобразил Ге. И нарушил несколько незыблемых законов живописи:
Во-первых, игра света – на полотне подсвечивается номинальное "зло", в то время как добро стоит в потемках.
Во-вторых, Иисус не изображен красивым человеком, а измученным страдальцем с потемневшим лицом, без какого-либо намека на красоту. Естественно, многие зрители такого не поняли и не приняли, но Ге был непреклонен – когда видишь гонимого и страждущего человека, ты не обращаешь внимания на идеальность черт лица, ты смотришь внутрь самого образа.
Собственно, неоднозначную картину не приняла публика настолько, что император Александр III распорядился снять ее с выставки. Третьяков отказался покупать ее, чем навлек на себя гнев Льва Толстого. Толстой написал разгромное письмо, где относительно вежливо ("Вы собрали кучу навоза для того, чтобы не упустить жемчужину") убедил его всё же приобрести картину.
Ну а на вопрос картины ответ уже найден другим гением - М.Булгаковым: истина прежде всего в том, что у Пилата болит голова) Я эти слова понимаю, как прямое указание, что дело в голове, в том, что она продуцирует и интерпретирует. Проще говоря, все мифы, которые вкладываются в сознание людей, обрастают теоретическим обоснованием, становятся нормой и, в конечном итоге, двигают развитие человечества на какой-то период. Приведенные высказывания великих каждое по-своему справедливо, конечно, но считать какое-то из них универсальным, кроме Эйнштейна, ошибочно. Я уже, кажется публиковал эту картинку, но напомню ещё раз:

Мы видим, что в зависимости от того в каком свете и под каким углом мы смотрим на вещи, то от этого и делаем соответствующие выводы. Поэтому Эйнштейн, конечно же прав: всё относительно. И свою правоту доказал математически. Да и все последние достижения науки подтвердили его Теорию ОТНОСИТЕЛЬНОСТИ.
Ну а от себя добавлю:
In vino veritas...

(Fan fanny @ 30-09-2021 - 08:13)
Ну а от себя добавлю:
In vino veritas...
Ну вот я так и знала, что этим все и закончится )))

(Дашуля! @ 30-09-2021 - 08:11)
(Fan fanny @ 30-09-2021 - 08:13)
Ну а от себя добавлю:
In vino veritas... Ну вот я так и знала, что этим все и закончится )))
Доброе утро, подружка! Если оно доброе (Вчера в Мюнхене было групповое изнасилование - 5:0 называется...)
Ну а по теме - от меня ты что, другого чего-то ждала?

Тема получилась очень ёмкая по красоте и содержанию.
Спасибо большое. Обязательно вернусь и обсудим.
Сейчас небольшой цейтнот в реале.
Очень понравился финал темы и цитаты Пикассо.

Ролик был создан Филиппом Скотт Джонсоном. Прекрасная подборка и восхитительная музыка Баха.
В 2007-м году YouTube удостоил автора этого ролика наградой за самое креативное видео.
Посетил его канал на you tube.
Надыбал ещё кое- что интересное




Что касается красоты в общем и женской в частности.
Это тонкая грань, лезвие бритвы © по Ивану Ефремову.
Понимание прекрасного преимущественно отсылает к женской красоте,
имеющей самоценность ― в мировоззрении Ефремова женщина является «самым прекрасным созданием природы».
Если оппоненты Гирина (герой романа "Лезвие бритвы") утверждают, что в «век машин» «чистый и светлый» образ женщины следует избавить от половых особенностей, от «ненужной силы эроса», то автор считает неопровержимым законом искусства противопоставление мужской и женской красоты.©
цитата отсюда

Спасибо, Коля, за ценную и очень интересную информацию! Во-первых, за "Лезвие бритвы", - давно хотел прочесть Ефремова и всё как-то откладывал, читая в этом жанре больше Бредбери, Айзека Азимова, Стивена Кинга, Пелевина, Стругацких...
По поводу красоты согласен с Чеховым: „В человеке должно быть всё прекрасно: и лицо, и одежда, и душа, и мысли.“ Хотя ещё есть расовые и национальные культуры и традиции, которые мы совместно и изучали здесь в исторической ретроспективе. Не говоря уже о моде) Как мудро сказал Книгочей в обсуждении на эту тему: "Определить современный идеал красоты становится все сложнее. Когда в очередной раз начнешь сомневаться в своей привлекательности, вспомни о том, насколько все это относительно!"
Но самое главное, большой респект тебе за новый ролик! Ты знаешь, это видео с картинами, вместе с гонораром, мне подарили за лучшую рецензию на роман С.Кинга "Доктор Сон", который проводила издательская фирма. Переслали обычным файлом mp4. И все эти годы я думал это какой-то эксклюзив, снятый для узких специалистов, что-то в этом роде. И множество моих друзей, кто его видел, тоже так считали. И только вот недавно, когда я купил новый TV, узнал, что этот ролик есть в YouTube - там при подключении стороннего контента, он сразу определяет источник. Но даже после этого я не удосужился посмотреть под видео и узнать об этом Джонсоне и его шикарных работах! А сразу выложил ролик в свой блог и началась вся эта история) Ну что ж, нет худа без добра - ведь сколько нового и интересного при подготовке каждого поста я узнал в том числе и для себя. А ты оказался внимательнее и пунктуальнее!
А моим малышкам теперь будет новая викторина:) Хотя здесь, конечно, попроще - эти лица знают все, хотя пофамильно я вспомнил половину после беглого первого просмотра. Вообщем, это надо открывать новую тему. Сейчас вот перекурим после живописи)) А то я здесь в.. печали после разгрома "Динамо" - дома совсем другое кино...

(Fan fanny @ 01-10-2021 - 15:34)
По поводу красоты согласен с Чеховым: „В человеке должно быть всё прекрасно: и лицо, и одежда, и душа, и мысли.“

В серьёзную тему вставлю несерьёзную реплику.
Как Чехов звучит в современной интерпретации.
"Блин, в чуваке всё должно быть клёвым: и тачка, и тёлка, и прикид. В натуре!"©

А там, на канале и мужчины-актёры есть.
Интересный канал.
Жаль, что у него нет таких комментариев, как у тебя в блоге.
Я ещё думал когда-нибудь обсудить тех достойных женщин,
кто не попал в ролик.
Это тоже в перспективе. Не всё сразу.

(Глаголъ @ 01-10-2021 - 15:41)
"Блин, в чуваке всё должно быть клёвым: и тачка, и тёлка, и прикид. В натуре!"©
"Петухи кричат - проснулись,
Чуваки идут - согнулись" (с)

Утро доброе, солнышко сегодня прямо в глаз, падла, светит - проснулся, короче...
Кстати, знаешь, что, слово Чувак придумали московские стиляги в 50-х. Это аббревиатура от слов:
Человек, Уважающий Высокую Американскую Культуру.

Подводя черту, хочу напомнить, что сейчас мы живем уже в эпоху постмодерна со всеми его "прелестями":