Что есть Истина?

Моисей: всё есть Бог
Христос: всё есть Любовь
Маркс: всё есть Деньги
Фрейд: всё есть Секс
Эйнштейн: всё относительно

(Дашуля! @ 18-09-2021 - 22:56)
И человек ни чем не лучше любого животного, и животные смертны и человек смертен, а все остальное - суета. Екклесиаст 3 стих 19 в моем исполнении )) Welcome, Дашуля! Как ты вовремя запорхнула к нам! Как раз под венецианочку:) Вся в тебя, зацени:

Альбрехт Дюрер "Портрет венецианки", 1505г.
Художественно-исторический музей, Вена (Kunsthistorisches Museum, Wien).
О это дивное лицо простой наивной венецианки! Долгое время в Европе считалось что нет прекрасней девушек на свете, чем истинные венецианки. Город любви и греха всегда славился женской красотой, даже старушки выглядели там благородно и прекрасно, чего уж говорить о молодых венецианках.
Перед нами одна из молоденьких красоток. Хотя сложно её назвать красавицей, но есть что-то неуловимо симпатичное в ней. Она опрятна, она стройна, она следит за модой – во всяком случае, причёска самая модная в средние века. Она возможно не замужняя, потому что нет чепца или гребня, который определённо намекал прохожим о статусе девушки. Она, скорее всего весёлая и очень острая на язычок барышня. По крайней мере, её лицо как раз выдаёт весёлый нрав. А вот чёрный бант у сердца может говорить о том, что она потеряла какого-то близкого для неё человека. Потому что именно таким образом в Венеции выражали скорбь. Не платком, не нарукавником и даже не самой одеждой чёрного цвета, а достаточно было просто навязать бант у сердца, и было понятно, что в семье горе. А что именно случилось, по портрету не поймёшь. Но и художник особо не влезал в её личное пространство, ему было достаточно понять внутреннее. Кстати, по рисунку платья и ожерелью на шее можно прийти к выводу, что девушка из известного рода. Если быть совсем точным, то скорее всего из того самого среднего класса. Нельзя сказать, что она плоха, она всё же великолепна. Иначе художник бы наверно не стал тратить время на неё.
Дюрер вновь и вновь доказал своё мастерство портретиста, хотя он мог прекрасно изображать и пейзажи и просто делать великолепные эскизы растений, животных или мимических движений человека. Например, молитвенно сложенные кисти рук. С такой документальной точностью мог рисовать только да Винчи, да и то не всегда успешно. Дюрер же и в этом был первоклассный мастер.
Ну что, Дашуль, это дело надо отметить, как в жаркое олимпийское лето, помнишь? Тем более, что я вчера немного того... расслабился, короче) Да и ты, я смотрю, наэклезиастилась тоже неплохо)) Так что давай, подруга, за искусство!
Time: 0.30

Так, хорошо пошло Какой прекрасный уик-энд, хоть и дождь за окном
Даже следующая немка после 150 грамм кажется совсем даже ничего:

Лукас Кранах "Женский портрет" 1526 г.
Дерево, масло. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург
Лукас Кранах, один из самых привлекательных художников немецкого Возрождения. Он был одним из самых популярных художников Германии. Его тонкое, изящное искусство обладает особой притягательной силой.
На портрете мы видим молодую женщину с распущенными волнистыми волосами, которые венчает шляпа, окаймленная красной тесьмой. Девушка сидит на фоне окна, за которым виден красивый пейзаж, скорее всего, написанный с натуры. Сама модель одета в платье красно-зеленого цвета, ее шея украшена обильной золотой цепью, цвет которой перекликается с рыжиной волос. Лицо девушки спокойное. Ее нельзя назвать красавицей - видна асимметрия черт, глаза раскосые и, в сочетании с сжатым маленьким ртом, придают лицу не очень доброе выражение. Острый подбородок и рыжие волосы вызывают ассоциации с лисичкой.
В изображенном на портрете женском лице соединились черты двух современниц Кранаха – принцессы Сибиллы Клевской и беглой монахини Катарины из Боры, ставшей женой Мартина Лютера. Но, имея некоторое сходство и с тем и с другим прототипом, образ, созданный Кранахом, не является собственно портретом. Это, скорее, воплощение идеальной мечты.
Картина производит загадочное впечатление: на темном фоне пронзительно звучат яркие краски одежд изображенной, жесткий линейный рисунок своей экспрессией вступает в диссонанс с задумчивым состоянием женщины, словно зачарованной собственными грезами.
Time: 0.32

Со времен Древней Греции у ценителей прекрасного большой популярностью пользуются диптихи и триптихи - произведение искусства, состоящее из двух или трёх картин соответственно (или фото в наше время), складывающихся в компактную "книжечку". Особым спросом пользовались лавстори и свадебные картины:

"Портрет семьи Портинари, Томмазо и Марии Маддалены" (это лишь боковые створки триптиха, а центральная часть утеряна, посвящалась Богородице). 1470-80 г. 44х33,5 - одна створка. Metropolitan музей, Нью-Йорк, США
Мемлинг — загадочная фигура в истории искусства. Известно о нем немного. Родился в Германии и, как многие художники, обратившие свой взор к Нидерландам, покидает родной Средний Рейн и переезжает в Брюгге. В этом городе он проведет всю жизнь, получит образование в мастерской Рогира ван дер Вейдена, а затем начнет собственную успешную карьеру.
Это — брачный портрет, на пальцах молитвенно сложенных рук молодой четы отчетливо выписаны обручальные кольца. Марии Маддалене было всего лишь четырнадцать лет, когда она стала женой тридцатитрехлетнего Томмазо Портинари. Соответственно бургундской моде на девушке высокий головной убор, отделанный кружевами, длинное покрывало, которое подчеркивает ее положение невесты. Несмотря на юный возраст, ее облик наполнен уверенностью светской дамы, а драгоценное колье указывает на ее высокое социальное положение. В отличие от бесстрастия мужа, ее образ менее строг, и, кажется, легкая улыбка коснулась ее лица. Умное лицо. Миндалевидные итальянские глаза. Слегка прищуренный взор. Коварна. Художник погрузил молодоженов в чернейший из всех возможных черных пигмент. Мемлинговская темнота, однако, не трагична — она торжественна.
Мастер старался угодить заказчикам, для которых религиозное почтение — сложенные в молитве руки — оставалось необходимым элементом даже для светского портрета. И Томазо, и Мария словно говорят нам: "Мы прежде всего верим в Господа".
Time: 0.34

А вот и путаны пошли. Но прикол в том, как художник использовал в тёмную вдову чиновника) Мне кажется, здесь что-то личное:

Ганс Гольбейн "Лаис Коринфская", 1526 г. Художественный музей, Базель, Швейцария

К самым ранним изображениям жриц любви относится находящаяся в Кунстмузее в Базеле картина знаменитого немецкого художника Ганса Гольбейна, создавшего пленительный образ Лаис Коринфской. Лаис Коринфская – одна из самых известных гетер античных времен. Гольбейн выбрал эту женщину, чтобы показать богатую жрицу любви Греции, по которой сходило с ума все мужское население, включая философов. На портрете изображена хорошо одетая женщина, сидящая за столом, но на столе лежат деньги. Таким образом художник описал продажную женщину. Во времена художника живопись была предназначена для церквей, монастырей, поэтому там не было место подобным персонажам. Единственная блудница, которая изображалась в живописи — это всегда кающаяся Мария Магдалина. Картина Гольбейна исключительна для 16 века. В эту эпоху все произведения делалось на заказ. Почему Гольбейн ее изобразил неизвестно. Можно строить только предположения. Картина вызвала потрясение жителей Базеля того времени, так как в проститутке была легко узнаваема вдова бывшего члена муниципалитета Магдалена Фон Оффенбурга. Она, скорее всего, когда позировала, не знала, что будет изображена в таком свете
Time: 0.35

Замечательная тема получилась у тебя в блоге. Спасибо.

Следующее знакомое мне лицо - Мария Лопухина (1,07)
Но пока не буду нарушать хронологию

Спасибо, Коля! До Лопухиной ещё как до Луны) Тут ещё европейские барышни разной степени свежести, как, например, эта фрау(но я её люблю за пиво, оно мне сейчас в самый раз :
Альбрехт Дюрер "Эльсбет Тухер", 1499 г. Кассельская картинная галерея, Кассель, Германия
Тухеры, старинный дворянский род из Нюрнберга, уже в раннем Средневековье его представители оказывали влияние на политическую и экономическую жизнь города. С 1672 г. варили первое в Нюрнберге пшеничное пиво, многие пивоварни сохранились до настоящего времени. Портрет Эльсбет Тухер (урожденной Пуш) — правая створка диптиха, на левой части которого был изображен ее муж Николас Тухер. Портрет Николаса не сохранился до наших дней. Раньше портрет Эльсбет Тухер можно было видеть на банкноте в 20 марок.
В каждом виде и жанре искусства Дюрер выступает как новатор. Он глубоко изучает натуру, выявляет ее закономерности. Полнее всего гуманистическая концепция мировоззрения Дюрера проявилась в жанре портрета. Выражая общую для всех гуманистов идею величия и достоинства человеческой личности, Дюрер не подпадает под влияние других национальных школ или отдельных художников. Сын своей страны и своего времени, он прежде всего утверждает национальные идеалы. Главным содержанием его портретов становится преобразующая сила духа и воли человека.
Time: 0.37

Ну, эту дамочку узнают почти все, кто смотрел фильм "Герцогиня", в котором хрупкая, ослепительно красивая Кира Найтли сыграла главную роль:

Джорджиана, герцогиня Девонширская, Джошуа Рейнолдс, масло, холст, 1776 г. Библиотека, художественное собрание и ботанические сады Хантингтона, Калифорния
Известность портрета герцогини Девоншинской определяется не столько мастерством исполнения, сколько широкой, с привкусом скандальности, популярностью его героини – владелицы литературного салона и предводительницы политической партии вигов.
Она была самой знаменитой женщиной своего времени. Во Франции королевой мод была настоящая королева – Мария-Антуанетта. В Англии – не королева, а Джорджиана Кавендиш, герцогиня Девонширская. С Марией-Антуанеттой ее роднила не только светская популярность, но и патологическая склонность к азартным играм. Правда, Джорджиане повезло больше: Марию-Антуанетту ее карточные долги привели на гильотину, а герцогиня Девонширская благополучно прожила в блеске и роскоши, играя едва ли не каждую ночь. Обворожительная Джорджиана была, к слову сказать, двоюродной прапрабабушкой принцессы Дианы и дамочкой довольно свободных нравов (муж герцогини снял ее портрет со стены, когда узнал, что супружница забеременела от любовника).
Портрет Джорджианы, герцогини Девонширской несет на себе все черты аристократической живописи: героиня, одетая в нарядное платье и с парадной причёской, стоит, облокотившись одной рукой на балюстраду, а другой придерживает складки платья. Пейзажный фон и перила лестницы выписаны обобщенно и бегло, поскольку пейзаж и в выбранном жанре, и в творчестве Рейнолдса в целом играет исключительно подчиненную роль. Нельзя сказать, что в этом образе Джорджианы Кавендиш каким-либо особым способом передана её индивидуальность: возможно, лишь в пристальном и немного лукавом взгляде герцогини можно прочесть её политические и личные амбиции.А вот и Кира Найтли в роли Джорджианы:
Time: 0.39

Портрет Джейн Флеминг, графини Харрингтон. Джошуа Рейнолдс, 1778 г. Библиотека, художественное собрание и ботанические сады Хантингтона, Калифорния
Джейн Флеминг, урожденная фламандка, служила леди Спальни Шарлотте Макленбург. Вышла замуж за графа Харрингтона в 23 года. Будучи богатой наследницей отца, она принесла мужу огромное состояние и смогла уплатить все долги мужа, которые тот унаследовал в свою очередь. За такое великодушие она была удостоена больших похвал в обществе. Благодаря благородному поступку жены, граф сумел вернуть былое состояние, а также он сформировал полк пехоты, с которым супруги отбыли на Ямайку. По возвращении через год в Лондон, леди Харрингтон стала законодательницей мод и славилась своей красотой. На вечеринке в 1782 году, которую устроила герцогиня Девоншира Джорджиана, ее и леди Харрингтон признали как самых "модно одетых леди". Казалось, будучи избалованной вниманием высшего аристократического общества, Джейн, тем не менее, сохранила свои лучшие черты характера, Ее считали воплощением достоинства и благородства. Ее уважали в обществе, и неслучайно пригласили на высокую должность - быть леди Спальни к Шарлотте Макленбург - Streliz, жене короля Георга III. И служила Джейн леди Спальни до смерти королевы в 1818 году.
Time: 0.41

(Fan fanny @ 19-09-2021 - 07:16)
(Дашуля! @ 18-09-2021 - 22:56)
<q>И человек ни чем не лучше любого животного, и животные смертны и человек смертен, а все остальное - суета. Екклесиаст 3 стих 19 в моем исполнении ))</q> <q>Welcome, Дашуля! Как ты вовремя запорхнула к нам! Как раз под венецианочку:) Вся в тебя, зацени:

Альбрехт Дюрер "Портрет венецианки", 1505г.
Художественно-исторический музей, Вена (Kunsthistorisches Museum, Wien).
О это дивное лицо простой наивной венецианки! Долгое время в Европе считалось что нет прекрасней девушек на свете, чем истинные венецианки. Город любви и греха всегда славился женской красотой, даже старушки выглядели там благородно и прекрасно, чего уж говорить о молодых венецианках.
Перед нами одна из молоденьких красоток. Хотя сложно её назвать красавицей, но есть что-то неуловимо симпатичное в ней. Она опрятна, она стройна, она следит за модой – во всяком случае, причёска самая модная в средние века. Она возможно не замужняя, потому что нет чепца или гребня, который определённо намекал прохожим о статусе девушки. Она, скорее всего весёлая и очень острая на язычок барышня. По крайней мере, её лицо как раз выдаёт весёлый нрав. А вот чёрный бант у сердца может говорить о том, что она потеряла какого-то близкого для неё человека. Потому что именно таким образом в Венеции выражали скорбь. Не платком, не нарукавником и даже не самой одеждой чёрного цвета, а достаточно было просто навязать бант у сердца, и было понятно, что в семье горе. А что именно случилось, по портрету не поймёшь. Но и художник особо не влезал в её личное пространство, ему было достаточно понять внутреннее. Кстати, по рисунку платья и ожерелью на шее можно прийти к выводу, что девушка из известного рода. Если быть совсем точным, то скорее всего из того самого среднего класса. Нельзя сказать, что она плоха, она всё же великолепна. Иначе художник бы наверно не стал тратить время на неё.
Дюрер вновь и вновь доказал своё мастерство портретиста, хотя он мог прекрасно изображать и пейзажи и просто делать великолепные эскизы растений, животных или мимических движений человека. Например, молитвенно сложенные кисти рук. С такой документальной точностью мог рисовать только да Винчи, да и то не всегда успешно. Дюрер же и в этом был первоклассный мастер.
Ну что, Дашуль, это дело надо отметить, как в жаркое олимпийское лето, помнишь? Тем более, что я вчера немного того... расслабился, короче) Да и ты, я смотрю, наэклезиастилась тоже неплохо)) Так что давай, подруга, за искусство!
Time: 0.30</q>
Ну я же не рыжая ))
«Начинается новая жизнь» (Данте и Беатриче в саду). Художник Чезаре Саккаджи, 1903.

Ну с Беатриче можно и вне конкурса! Вот я правда не помню, есть она здесь или нет, но в любом случае, молодца! А я как видишь с этой английской аристократией никак не разберусь, уже в глазах двоится...Представляю сразу двоих любимых актрис сэра Рейнольдса - миссис Хейл и миссис Абингтон (время: 0.43 - 0.44 сек):

Портрет мадам Хейл в Эфросине Мадам Джон Хейл интерпретирует Эфросину, Благодать Радости в греческой мифологии. Картина Джошуа Рейнольдса 1762-1764 гг. Масло на холсте. Harewood House, Йоркшир, Великобритания

Миссис Абингтон была написана в 1771 году. Рейнольдс, который был первым президентом Королевской академии, адаптировал идеализированный классический стиль, который позже стал известен как Grand Manner в его работах.
Его картины подняли планку для других художников-портретистов. Как яркий светский человек, он продвигал себя и свою карьеру через свои социальные контакты, что видно на этом портрете известной актрисы. На этой картине изображена Фрэнсис (Фанни) Бартон, более известная как миссис Абингтон, в комедии Уильяма Конгрева «Любовь к любви» 1695 года.
Абингтон была одной из самых знаменитых звезд лондонской эстрады. У нее было тяжелое детство, когда она росла в трущобах недалеко от Друри-лейн. Некоторые из ее работ включали продажу цветов, работу в качестве домашней прислуги и работу повара у комика Роберта Баддели. Актриса вышла замуж за Джеймса Абингтона, который был одним из трубачей короля. В дальнейшем она стала одной из самых многообещающих звезд театральной сцены.
Мы видим в полный рост миссис Абингтон, Фрэнсис Бартон, одетую в классический костюм Талии, Музы комиксов. Фрэнсис опирается левой рукой на пьедестал статуи, обтянутый красным бархатом. В правой руке она держит маску. Ее левая нога скрещена с правой, в позе контрапоста. Ее голова наклоняется влево, она с легкой улыбкой смотрит на зрителя. На ней белое платье с глубоким вырезом в цветочек и розовым поясом. Прическа в высоком стиле. Статуя представляет собой классически задрапированную фигуру Комической музы; голова и грудь не видны. Постамент украшен двумя масками в окружении дубовых листьев. Раскрытая нотная тетрадь и лист бумаги лежат у ног фигуры. Деревья появляются на заднем плане.

Мама Уинстона Черчилля

Дженни Джером родилась в Помпеях, штат Нью-Йорк. Она была второй из четырёх дочерей финансиста, биржевого спекулянта и спортсмена Леонарда Джерома и его супруги Клариссы Холл, дочери землевладельца Амбруаза Холла.

Замечательная красавица — поклонники говорили о ней, что Дженни «больше похожа на пантеру, чем на женщину» — в юности работала редактором в журнале. Предполагают, что подобное изящество было результатом смешения кровей — Холлы настаивали, что в их жилах течет кровь ирокезов. (Никаких документальных подтверждений этого факта не обнаружено).

«Леди Рэндольф обладала ослепительной красотой, её скорее можно было принять за итальянку или испанку. Глаза её были большими и темными, изгиб губ был изысканным и почти озорным, волосы — иссиня-черными и блестящими, в ней было что-то креольское. Она была очень оживлённой и много смеялась, показывая белоснежные зубы, и всегда выглядя счастливой и хорошо проводящей время».

(Дашуля! @ 19-09-2021 - 13:49)
Мама Уинстона Черчилля
Замечательная красавица — поклонники говорили о ней, что Дженни «больше похожа на пантеру, чем на женщину»

Это всё придумал Черчилль
В восемнадцатом году! ©
Достойного хищника в политике родила эта пантера!
Ну а мы покидаем, наконец, Туманный Альбион и, пересекая Ла-Манш, возвращаемся в континентальную Европу - к французским красоткам:

Это произведение представляет собой картину из классического периода. Относится к стилю классицизма .
Пьер Гобер, "Шарлотта-Аглае д'Орлеанская, герцогиня Моденская", хранится в замках Версаль и Трианон, Версаль, Франция.
Пьер Гобер (1662-1744) родился в Фонтенбло в семье скульптора и гравера Жана Гобера II (1627–1681). Он научился рисовать в мастерской своего отца и начал работать при дворе в очень раннем возрасте. Он провел большую часть своего времени в Париже и стал членом Академии в 1701 году. Его репутация как придворного портретиста Людовика XIV иллюстрируется значительной коллекцией в Версале, в том числе портретами герцогини Мэна, мадемуазель де Лат Мот и герцогини. Бургундия. Среди его многочисленных мужских портретов - портрет мальчика Людовика XV. Гобер выставлялся в Салоне в 1704 и 1737 годах. С 1707 по 1709 год художник поселился в Люневиле, работая для двора Лотарингии, где написал впечатляющую группу из семидесяти портретов, в том числе портрет Леопольда, герцога Лотарингии и его жены Елизаветы-Шарлотты, ну и нашей героини ролика - Шарлотты.
Шарлотта Аглаэ была третьей дочерью Филиппа II, герцога Орлеанского и Франсуазы-Мари де Бурбон. В 1720 году она вышла замуж за принца Франческо д'Эсте, будущего Франческо III, герцога Модены, от которого у нее было десять детей.
Любопытно, что среди работ Гобера был и портрет Петра I.
Time: 0.46

А как вам эта кучеряжка?

Каспар Нетчер. "Портрет Сюзанны Гюйгенс", 1667-69 Дубовое панно, масло, 45 x 35 см.
Частное собрание: Лейденская коллекция (Коллекция Лейдена - это коллекция произведений искусства, принадлежащая Томасу С. Каплану и его жене Дафне Реканати Каплан)
Это очень интересный портрет дочери торговца картинами. Портрет полон противоречивых символов. В руке у девушки фледоранж (цветы апельсина, они традиционно включались в букет невест, после свадьбы этот букет часто бережно хранился. Он символизировал невинность и чистоту). Девушка в замысловатой прическе по французской моде одета в бело-стальное платье, которое символизирует ее набожность и жесткость ее принципов. Но можно заметить, что изнанка платья красная. И одновременно за спиной девушки темно-красная, тяжелая портьера приоткрывает грозовое небо, закат, шторм, что явно говорит о страстях. А за спиной розы. Этот цветок в христианстве был символом античной распущенности, и одновременно существовала легенда, по которой розы появились из крови Христа, капли которой упали с креста в мох. Поэтому я даже не возьмусь трактовать этот символ, но и тут явно есть какие-то противоречия. Дона, если что, внесёт ясность.
Еще любопытно: несмотря на портретное сходство, этот портрет все равно немного комикс, карикатура, преувеличение, стилизация - называйте, как хотите. Занятно то, что практически до 19-го века за редким исключением художники писали лица, идеализируя их, а еще зачастую обращались с источниками света, как хотели. На этом портрете нет таких заметных световых искажений, но в Лейденской коллекции немало картин, где один человек освещен справа, второй слева, а корзинка с фазаном отбрасывает тень, как будто свет идет откуда-то снизу. Особенно в жанровых сценах. При этом все выписано с огромной тщательностью и хочется поверить в реальность увиденного.
Time: 0.48

Пьер Миньяр, "Маркиза де Сеньелэ и двое ее детей", 1691 г. Национальная галерея, Лондон.
Екатерина-Тереза ​​де Матиньон (1662–1699) овдовела в год, когда это было написано. Ее мужем был Жан-Батист Кольбер де Сеньеле, сын известного государственного деятеля Жана-Батиста Кольбера, и, что особенно важно для водной мифологии этого портрета, ministre de la marine - глава французского адмиралтейства. Невозможно точно сказать, кто из пяти сыновей маркизы сопровождает ее, но можно предположить, что мальчик в доспехах - ее старший, Мари-Жан-Батист, а Купидон - ее маленький сын Теодор-Александр.
Отличительные черты: щегольство маркизы делает ее портрет восхитительным - она ​​беззаботно изображает себя морской богиней на картине, которая пренебрегает унылой реальностью и заменяет ее фантазией. Красные кораллы, водоросли и жемчуг монархически украшают ее волосы, когда она держит медальон на нитке жемчуга.
Еще больше жемчуга представляет крылатый Амур в раковине наутилуса на золотом стержне. Ее синие и золотые одежды интимны с божественным, поскольку она сидит на выступе берега с ракушками у ног и вулканом на другом берегу залива - очевидно, Везувий. Волшебно перенесенная из Парижа в Италию, от страданий вдовства до мифической силы, маркиза оплакивает своего морского мужа и идет дальше.
Картина утверждает, что море является владением ее героини. И он смело заявляет, что ее сын будет больше, чем его отец, с грозной защитой Екатерины-Терезы. Ибо она приняла облик морской нимфы Фетиды, что превратило юношу в ранней броне, которого она охраняет своей материнской рукой Ахиллесом, сыном-воином Фетиды. В греческом мифе Судьба постановила, что сын Фетиды будет больше своего отца, поэтому она была вынуждена взять в мужья смертного Пелея. В некоторых версиях Фетида оставила его после того, как он попытался остановить ее погружение Ахилла в Стикс, чтобы сделать его бессмертным.
Фетида была успешной лишь частично - ахиллесова пята, на которой она держала его, оставалась уязвимой - и в «Илиаде» Гомера она знает, что он обречен на смерть. Когда доспехи Ахилла теряются, именно Фетида отправляется на Олимп, чтобы убедить искалеченного кузнеца Гефеста изготовить новый комплект. Фетида сделает все для своего мальчика.
Для французского аристократического зрителя XVII века, знакомого с Гомером, это было не столько прославление покойного мужа маркизы, сколько одновременное присвоение его атрибутов (вы даже можете прочитать это как намек на то, что Екатерина-Тереза ​​была силой, стоящей за этим конкретным кораллом. трон) и заявление о том, что теперь она верна своему сыну. Эта картина синтезирует портрет, пейзаж и мифологию с тем, что можно назвать великодушным высокомерием.
Time: 0.50

Жан-Марк Натье, "Мадам Виктория Французская", 1748 г. Musée de l’Histoire de France, Версаль
Жан-Марк Натье является создателем нового стиля живописи — исторического портрета. Картины Натье обожествляют и идеализируют образ женщины, которых мастер изображал на своих в холстах обличёнными в одеяния мифических персонажей. Картины Жан-Марка Натье хранятся в Лувре, Версале, Эрмитаже, Пушкинском музее Москвы, Дрезденской картинной галерее и в других многочисленных художественных музеях мира. Многие картины художника находятся в частных коллекциях.
Мария Луиза Тереза Виктория Французская родилась 11 мая 1733 года в королевском дворце Версаль. Она была седьмым ребёнком и пятой дочерью короля Франции Людовика XV и Марии Лещинской. Как и её сёстры, она была отправлена в монастырь Фонтевро, где жила до 1748 года. В возрасте 15 лет она вернулась в Версаль. Принцесса не любила своего отца за его постоянные измены матери. Она открыто критиковала фавориток Людовика Мадам де Помпадур и Мадам Дюбарри. Считаясь самой красивой дочерью короля, она никогда не выходила замуж.
Time: 0.52

Ну вот и пришло время вернуться к родным берегам:

Федор Степанович Рокотов, "Портрет неизвестной в голубом платье с желтой отделкой", 1760-е гг. Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Русская живопись второй половины XVIII века - совершенно новое явление, независимое от западноевропейских веяний в живописи от классицизма до романтизма, это ранний ренессансный реализм, ренессансная классика, что становится особенно очевидным, когда высокая классика как в живописи, в архитектуре, так и в литературе не замедлит явиться в первой половине XIX века.
Всему этому есть объяснение. Поскольку художник обратил взор от лика Спаса и богоматери к лику человека - самая характерная черта ренессансного миросозерцания и искусства, то естественно ведущим жанром, в течение XVIII века почти единственным, становится портрет и высшие художественные достижения связаны с ним.
Человек во всей его трепетной жизненности - вот что одно волнует и занимает художника, то как образец гражданских добродетелей, то сам по себе, самоценна личность человека, она достойна всяческого уважения, внимания и восхищения. Эта человечность чувств и самосознания личности проступает уже у Матвеева в «Автопортрете с женой» и становится отличительной чертой русского портрета в творчестве Ф.С.Рокотова, Д.Г.Левицкого и В.Л.Боровиковского.
"Портрет неизвестной в голубом платье с желтой отделкой" - это Ренессанс! Чистейшее воплощение эстетики Ренессанса, что удавалось немногим из старых мастеров. Здесь все чудесно - и красота модели, и ее платье, и мастерство художника, который писал в несколько слоев, слой за слоем давая высохнуть краскам, и они светились изнутри, создавая впечатление игры света и легкости исполнения. По свидетельству поэта Н.Е.Струйского, Рокотов писал «почти играя».
Имя молодой женщины неизвестно. Среди старинных портретов можно и не заметить ничего особенного. Но облик модели художника светел и совершенно индивидуален, можно сказать даже, национален, перед нами именно русская женщина и, ясно, русская женщина эпохи Возрождения. И художник под стать ей. У нее артистически продуманный наряд, что Рокотов воспроизводит с блеском, как Моцарт, играя кистью и красками. А плечи молодой женщины с легким поворотом, грудь - под покровом изящных складок отделки платья чувствуются, как в яви.
Time: 0.54

Сусанну узнают обычно со старта, вспоминая исторический ляп с её шляпкой:

Питер Пауль Рубенс, "Дама в соломенной шляпке", 1625 г. Национальная галерея (Лондон)
Питер Пауль Рубенс (1577-1640) - великий фламандский художник, как никто другой воплотивший жизненность и чувственность европейской барочной живописи. Хотя он был знаменит масштабными работами на мифологические и религиозные темы, также являлся виртуозным мастером пейзажа и портрета.
Шляпа - столь характерная деталь в данном произведении, что часто из его названия вообще опускается слово «дама». Сколько поколений зрителей слышало, читало в книгах, рассматривало картину с этим названием, не «спотыкаясь» о его несуразность! Разве шляпка здесь соломенная, тем более с таким пером? Конечно же, это роскошная фетровая шляпа, модная в XVII веке. Рубенс и себя не раз писал в ней. Ошибка в названии возникла в XVIII веке во Франции, где в одном из каталогов работ художника полотно было записано: «Le Chapeau de Paille» («Соломенная шляпа»). Это, конечно же, описка: вместо «paille» должно быть «poil» (с французского - «фетр»).
На картине изображена прекрасная женщина - Сусанна Фурман, дочь антверпенского торговца гобеленами и шелком, вышедшая замуж. Мастер написал ее свадебный портрет с обручальным кольцом, которое привлекает к себе внимание и могло бы, как и шляпа, фигурировать в названии в качестве отличительной детали работы.
В 1630 Рубенс взял в жены ее младшую сестру Елену. Он создал столь же восхитительный портрет супруги в подобной шляпе, где ее никто не назвал «соломенной»!
Time: 0.56

А здесь уже настоящая соломенная шляпка:

Мари Луиза Элизабет Виже Лебрён. Автопортрет, 1782 г. Национальная галерея, Лондон.
Виже-Лебрен Элизабет (Vigee-Lebrun Elisabeth) (1755–1842), французская художница, мастер портретного жанра, представительница сентименталистского направления в классицизме. Элизабет Виже-Лебрен родилась 16 апреля 1755 года в Париже в семье малоизвестного художника. Училась у отца, писавшего пастельные портреты, а также у Г.Бриара, занималась в луврской галерее копированием картин известных художников и пользовалась советами Дуайена, Грёза и Жозефа Верне.
В 1776 году Виже вышла замуж за Жана Батиста Пьера Лебрена, художника, гравера и торговца картинами. Дела мужа, на вид блестящие, в действительности оказались расстроенными, и Жан Лебрен повел за счет жены-портретистки открытую жизнь, отбирая у нее все ее заработки и предоставляя Элизабет Виже-Лебрен взамен полную свободу поведения. В отсутствии супружеского счастья, художница искала утешения в кругу образованных и светских людей, старалась совершенствоваться в искусстве и вскоре приобрела достаточную известность в парижских аристократических кругах.
В конечном итоге Виже-Лебрен была приглашена в Версаль писать королеву. Мария-Антуанетта очень высоко оценила работу художницы и засыпала ее дополнительными заказами. Кроме того, Мария-Антуанетта присвоила Виже-Лебрен титул своей первой портретистки, часто брала художницу с собой на прогулки, исполняла с ней дуэты, и стала практически ее другом.
В 1783 году королева оказала, со своей стороны, определенное давление на французские художественные круги с тем, чтобы Виже-Лебрен была благополучно избрана в члены Королевской Академии искусства. Первые признаки готовившейся вспыхнуть революции побудили Виже-Лебрен покинуть Францию. Портретистка отправилась в Италию, где ее встречали повсюду с триумфом, а болонская и пармская академии живописи избрали Элизабет Виже-Лебрен в свои члены. Из Италии Виже-Лебрен перебралась в Вену и пробыла там с 1793 по 1795 год, а затем, через Прагу, Дрезден и Берлин, направилась в Петербург, куда и прибыла летом 1795 года.
Во время поездки в Россию Виже-Лебрен везде принимали с таким же энтузиазмом, как и в Италии: государи, члены их фамилий, знать, богатые любители искусства окружали привлекательную портретистку всевозможным вниманием и спешили заказывать ей портреты, вознаграждая Виже-Лебрен за них щедрой рукой, а академии художеств вручали художнице членские дипломы. В Петербурге Виже-Лебрен провела 6 лет, отлучившись отсюда только однажды на полгода в Москву. В России художницей написаны портреты императрицы Марии Федоровны, цесаревны Елизаветы Алексеевны, великих княжен, дочерей Павла I, Александры и Елены, Станислава Понятовского, графа Толстого, представителей семьи Строгановых и многих других лиц. В 1800 году Виже-Лебрен была принята в качестве почетного «вольника» в члены Российской Академии художеств.
В 1801 Виже-Лебрен возвратилась в Париж, но ненадолго, и, пустившись снова в путешествие, посетила Англию, Голландию и дважды Швейцарию. Окончательно вернувшись во Францию в 1809 году, Виже-Лебрен поселилась в Марли, где, окруженная довольством и почетом, продолжала заниматься живописью до глубочайшей старости. Виже-Лебрен оставила пространные мемуары под названием: «Souvenirs de ma vie», опубликованные во Франции в 1835–1837 годах, российская часть которых «Воспоминания госпожи Виже-Лебрен о пребывании ее в Санкт-Петербурге и Москве в 1795–1801 годах с приложением ее писем к княгине Куракиной» в дальнейшем была переведена и опубликована в России. Любимая портретистка европейского дворянства, член многих академий художеств, Виже-Лебрен умело сочетала классицистскую идеализацию с сентиментальной чувствительностью, «поэзией сердца», смягчающей даже наиболее парадные из ее образов. По списку, составленному самой художницей, из-под ее кисти вышло 662 портрета, 15 картин исторического и аллегорического содержания и 15 пейзажей. Сдержанная, чуть приукрашенная манера портретирования заслуженно принесла Виже-Лебрен европейскую популярность. Достоинства произведений Виже-Лебрен, в особенности портретных, составляют изящный и вполне правильный рисунок, приятный и гармоничный колорит и ловкий, свободный прием письма.

Картина Мари-Луизы Элизабет Виже-Лебрен "Автопортрет с палитрой":
Художница с кистью в руке сидит перед холстом, работая над одним из тех портретов, которые сделали ее знаменитой; в другой руке она держит несколько кисточек и палитру. На общем нейтральном фоне выделяется лицо художницы, словно излучающее свет, а также ярко-красный пояс, охватывающий талию, звучный красный цвет окрашивает также кончик одной из кистей. Виже-Лебрен славилась своей красотой и остроумием. Спокойный взор и обворожительная улыбка дают некоторое представление о незаурядной индивидуальности художницы. Хотя во время написания портрета Виже-Лебрен было тридцать пять лет, она несколько идеализирует свой облик, представляя себя в расцвете юности. Скончалась Элизабет Виже-Лебрен 30 марта 1842 года в Лувесьене.
Time: 0.58

Поскольку автор был недавно, да и в Эрмитаже многие были, то и с этим портретом обычно не возникает споров - смешно так жестикулируют, выкрикивая "Рубенс! Рубенс!":

Питер Пауль Рубенс
"Портрет камеристки инфанты Изабеллы". 1623—1626 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Художник вложил в этот портрет весь свой опыт. Рубенсу присущи тайны. Именно поэтому картину нужно рассматривать очень долго. На наст смотрит юная женщина 17 века. Нас разделяют столетия. Но волшебство кисти художника поражает. Невозможно увидеть открытых красок. Все как бы сплавляется в одну гамму, которая чудесным образом погружает зрителя в эпоху. Мы словно дышим одним и тем же воздухом с художником.
Глазки инфанты смотрят на нас слегка жутковато и при этом ласково. Брови немного вздернуты, как будто Изабелла чему-то удивлена. На гладком лице нет ни одной морщинки. Ей нельзя показывать какие-либо заботы. Но в тонких ноздрях, которые чуть вздрагивают, чувствуется напряжение. Зрачки расширены. Они тоже максимально напряжены. Они выдают невероятную взволнованность героини. При этом губки сжаты. Лишнее слово никогда из них не вылетит.
Инфанта умеет мастерски хранить все секреты дворца. Двор просто не любит свидетелей каких-то страшных тайн. Но без них невозможно обойтись. Мы чувствуем себя очень неуютно под этим пристальным взглядом, который дает оценку всему.
Это не просто портрет, а целый трактат. Художник анализирует с психологической точки зрения двор. Его картина символизирует суетность борьбы за власть, которая, по сути, является пустой
Time: 01.00

Этого автора тоже часто с первого раза называют. Видимо из-за его приятно звучащей фамилии - то ли испанец, то ли грек:

Эль Греко. "Дама с цветком в волосах". 1590-1600гг. Частная коллекция: Лондон, Уорвик Хаус, коллекция Ротермер
На полотне сохранился автограф художника. Эта картина изображает молодую девушку ярко выраженного испанского типа. Таких же девушек будет писать через двести лет Гойя — с густыми бровями, оливковой кожей и большими темными глазами. Ее черные волосы уложены в высокую прическу, украшенную мантильей и цветком клематиса. Густой темный колорит этой картины соответствует общему настроению. Некоторые искусствоведы считают, что на картине изображена невестка Эль Греко, Альфонса де лос Моралес, первая жена его сына Хорхе Мануэля.

Эль Греко (El Greco; (1541-1614), великий испанский живописец, архитектор и скульптор. Грек с острова Крит, Эль Греко учился у местных иконописцев, после 1560 приехал в Венецию, где обучался у Тициана; с 1570 работал в Риме, испытал воздействие маньеризма, Микеланджело, Бассано, Пальма Веккьо, Тинторетто. В Венеции и Риме испанский художник овладел приемами масляной живописи, передачей пространства и перспективы, обобщенным широким мазком; особенностями венецианского колоризма.Расцвет таланта Эль Греко наступил в Испании, куда он переехал около 1577 года и поселился в Толедо. В зрелом творчестве живописца Эль Греко, родственном поэзии испанских мистиков XVI века в иллюзорно-беспредельном пространстве стираются грани между землёй и небом, реальные образы получают утонченно-духовную интерпретацию. Резкие ракурсы и неестественно вытянутые пропорции в картинах художника порой создают эффект стремительного изменения масштаба фигур и предметов, то внезапно вырастающих, то исчезающих в глубине картинного пространства (“Мученичество святого Маврикия”, 1580-1582, Эскориал). Одну из главных ролей в этих произведениях Эль Греко играет колорит, основанный на обилии холодных рефлексов, беспокойной игре контрастных цветов, ярко вспыхивающих или приглушенных.
Острая эмоциональность образного строя характерна и для портретов испанского живописца, отмеченных тонкой психологической проницательностью (“Главный инквизитор Ниньо де Гевара”, 1601, Метрополитен-музей) или проникновенным драматизмом (“Портрет неизвестного рыцаря”, 1578-1580, Музей Прадо, Мадрид).
Черты ирреальности, мистического визионёрства нарастают в поздних картинах художника (“Снятие Пятой печати”, Метрополитен-музей; “Лаокоон”, Национальная галерея искусства, Вашингтон, – обе 1610-1614), острым трагическим чувством пронизана прекрасная пейзажная композиция испанского художника Эль Греко “Вид Толедо” (1610-1614, Метрополитен-музей).
Повышенная одухотворенность образов, мистическая экзальтация сближают искусство Эль Греко с маньеризмом и выражают кризисное состояние художественной культуры Позднего Возрождения. Отмеченное напряженным стремлением к выражению возвышенно-драматических порывов человеческого духа, творчество испанского живописца и скульптора Эль Греко в XVII-XIX веках было забыто и заново открыто только в начале XX века.
Time: 01.01

Один из курьёзов. Остановившись на этой картине, новая подруга решительно заявляет: "Так она на мою соседку похожа, как две капли воды!" Спрашиваю, так кто же написал её всё-таки. "Ну вот встречу, спрошу, кто у неё за хахаль такой талантливый был":

Портрет мадам Римской-Корсаковой урожденной Варвары Дмитриевны Мергассов, 1864 г. Musée d’Orsay, Париж
Картина была написана в 1864 году немецким художником Францем Ксавером Винтерхальтером. В некоторых местах предполагается, что женщина - это тот же человек, что вышла замуж за известного русского композитора Николая Римского-Корсакова из-за того же окончания имени и того же периода времени их рождения. Но полных данных об этом нет, так как некоторые важные источники предполагают, что Надежда Римская-Корсакова была женой композитора. Есть и другие предположения, что она также появилась в классическом романе Льва Толстого «Анна Каренина». Но личность изображенной женщины точно не определена. Портрет напоминает некоторые скромные элементы техники рисования светотени, которая использует только один источник света для исследования предметов на картине. Более того, сам немецкий художник считался художником неорококо. Наибольшую оценку критиков он получил за пристальное внимание к одежде и украшениям. Он овладел искусством описания этих сияющих вещей на холсте, обладая обширными знаниями и пониманием теней и цветов. Ему удалось придать человеку атмосферу более царственного и прославленного присутствия. Поскольку он в основном работал над портретами королевских и аристократических семей России, Испании, Бельгии, Мексики и Германии, его знания и опыт также сверкают в нынешней картине, поскольку ему было более 60 лет на момент написания этой картины. Среди произведений Франца Винтерхальтера эта картина входит в число самых известных произведений искусства.
Time: 01.03

Прекрасная история прекрасного русского художника. Вот прям всё и сразу - и «перст судьбы, и взлет счастливый» и слава и несчастная любовь, «что к смерти нас ведет». Да-да, вот все именно так. Слушая песню "Миллион алых роз" вспоминаю всегда именно его:

А.Тыранов. "Молодая хозяйка". Ок. 1840 г.Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Алексей Васильевич Тыранов (1808-1859) - русский художник-портретист. Учился у Брюллова, работал в Италии. По-моему, у него великолепные картины, заслуживающие большей известности.
Алексей Васильевич родился в мещанской семье в 1808 году в Бежецке. Учился в уездном училище, затем в гимназии в Твери, но не окончив в ней курса из-за отсутствия денег, возвратился в Бежецк и здесь вместе со своим братом, иконописцем, занялся писанием образов.
В 1824 году познакомился с Алексеем Венециановым, который устроил его вольнослушателем в Академию художеств.
За время учёбы Тыранов получил сначала малую, а потом большую золотую медаль.В 1832 году Академия присвоила ему звание неклассного художника. В 1830-40-х гг. мода на его портреты росла вместе со славой "нового Кипренского". Это стало серьезным испытанием для молодого художника. В 28 лет он стал учеником Брюллова, уехал в Италию, чтобы подражать признанным образцам и, как говорили многие, потерял себя. Его ругали за копирование брюлловской манеры, за нарочитую виртуозность в выписывании деталей, за салонный лоск, но именно тогда, в Италии, Тыранов написал один из лучших своих портретов. Сам Айвазовский был чрезвычайно доволен работой молодого академика.
Но испытанием для Алексея Тыранова стал не только безуспешный поиск новых тем - представленная здесь картина "Молодая хозяйка" не укладывалась в творческие рамки художника, ни стилистически, ни технологически не походила на другие его работы, а исторические полотна были совершенно слабыми, а публика уже устала от модного живописца. Настоящим роком судьбы стало другое: в Риме он влюбился в натурщицу-итальянку. Любовь эта была несчастной. Нервный срыв привел к длительной болезни. Средств для дальнейшего пребывания в Италии не осталось, и Тыранов вернулся в Петербург. Разумеется, один. Он неоднократно воспроизводил лицо своей возлюбленной на картинах, но все они были - как призраки былого вдохновения. Итальянка терзала его мысли и оставалась неисполнимой мечтой. Говорят, она оказалась аферисткой и забрала все его деньги. Но, быть может, просто судьба не позволила ей последовать за художником. Теперь этого не узнать. Он писал ее в Риме - чистую и чувственную, равную по красоте сияющим античным богиням. И все же не мог быть счастлив. Увы, таков злой рок.
В бедности, почти забытый, он уехал к брату. Академик, модный портретист, баловень судьбы - все это было в прошлом. Недолгая слава, призрак любви и совсем короткая (всего пятьдесят один год) жизнь - вот и все, что было ему суждено.
Ну вот мы и добрались до нашей красавицы - Маши. Твой выход, Николай!
Time: 01.05

Одна из моих хороших подруг в реале, Вита, очень похожа на
портрет Марии Лопухиной, поэтому мне вдвойне приятно обсудить этот портрет.



Загадка портрета Марии Лопухиной: картина, которая несла смерть?
статья первоисточник
В истории живописи немало примеров, когда за той или иной картиной тянется шлейф дурной славы. Негативное влияние на владельцев, самого художника или прототипов работ не поддается логическому объяснению. Одна из таких картин – «Портрет М. И. Лопухиной» Владимира Боровиковского. В ХІХ в. об этом портрете ходили нехорошие слухи.
В. Боровиковскому позировала дочь отставного генерала Ивана Толстого графиня Мария Лопухина. На тот момент ей было 18 лет, она недавно вышла замуж, и этот портрет заказал художнику ее муж,
егермейстер при дворе Павла І.
Она была красива, здорова и излучала спокойствие, нежность и счастье. Но через 5 лет после того, как работа над портретом была завершена, молодая девушка скончалась от чахотки. Во времена А. С. Пушкина ходили слухи, что стоит любой девушке только взглянуть на картину – ее ждет скорая смерть. Как шептались в салонах, жертвами портрета стали не меньше десятка девушек на выданье. Суеверные люди считали, что в портрете живет дух Лопухиной, который забирает к себе души молодых девиц.
Если отвлечься от мистической составляющей, нельзя не отметить высокую эстетическую ценность портрета. Эта работа по праву считается вершиной сентиментализма в русской живописи и самым поэтичным творением Боровиковского. Кроме несомненного сходства с прототипом, этот портрет является и воплощением идеала женственности в русском искусстве конца XVIII в. Естественная красота девушки гармонирует с окружающей природой. Это был золотой век русского портрета, а Боровиковский считался его признанным мастером. А. Бенуа писал: «Боровиковский настолько оригинален, что его можно отличить среди тысяч портретистов. Я бы сказал, что он очень русский».
Портрет Марии Лопухиной восхищал и вдохновлял современников. Так, например, поэт Я. Полонский посвятил ему стихотворные строки:
Она давно прошла, и нет уже тех глаз
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье – тень любви, и мысли – тень печали.
Но красоту ее Боровиковский спас.
Так часть души ее от нас не улетела,
И будет этот взгляд и эта прелесть тела
К ней равнодушное потомство привлекать.
Уча его любить, страдать, прощать, молчать.
Своей недоброй славой картина была обязана не автору-художнику, а отцу девушки, позировавшей для портрета. Иван Толстой был известным мистиком и магистром масонской ложи. Говорили, что он обладает сакральным знанием и после смерти дочери «переселил» ее душу в этот портрет.
Конец слухам был положен в конце ХІХ в. В 1880 г. известный меценат Павел Третьяков приобрел эту картину для своей галереи. С тех пор она выставляется на всеобщее обозрение вот уже больше столетия. Ежедневно в Третьяковке бывают сотни людей, и случаев массовой смертности среди них не было зафиксировано. Разговоры о проклятии постепенно поутихли и сошли на нет. Но люди склонны верить в мистические совпадения.

В ролике 1.07

(Глаголъ @ 21-09-2021 - 08:25)
Конец слухам был положен в конце ХІХ в. В 1880 г. известный меценат Павел Третьяков приобрел эту картину для своей галереи. С тех пор она выставляется на всеобщее обозрение вот уже больше столетия. Ежедневно в Третьяковке бывают сотни людей, и случаев массовой смертности среди них не было зафиксировано. Разговоры о проклятии постепенно поутихли и сошли на нет. Но люди склонны верить в мистические совпадения
Если и умереть, то на месте от такой красоты!
Первый раз я попал в Третьяковку в конце 80-х, когда были на соревнованиях в Крылатском. Нам организованно заказали экскурсию по Москве, в т.ч. и в Третьяковскую галерею, естественно. Помню, с каким трепетом заходишь в этот зал, где буквально дышишь той эпохой... Позже, уже в 90-е, будучи с женой в Москве, посетили этот храм искусства ещё раз. Запомнился ещё и этот портрет:

Портрет В. С. Путятиной, Алексей Гаврилович Венецианов, 1815-1816 гг. Холст, масло, Государственная Третьяковская галерея, Москва
Венецианов родился 18.02.1780 г. в московской купеческой семье. Его отец переехал в первопрестольную из Нежина и занялся торговлей саженцами деревьев. У Алексея еще в раннем детстве обнаружились способности к рисованию. В юности он полюбил писать портреты. Самой известной картиной раннего периода творчества стал портрет В. С. Путятиной, его соседки. Образ девушки на полотне Венецианова шел вразрез с общепринятым изображением "светских львиц". В нем был характер и душа. К этому же периоду относится обращение Венецианова к написанию бытовых картин: «На Конном рынке», «Гулянье», «Уличная иллюминация», «На Сенном рынке» и другие.

В 1818 г. Венецианов навсегда оставил государственную службу, женился и уехал в родовое имение жены - Сафонково. Именно тут он обрел источник вдохновения для своей главной темы творчества. Сначала это были частные портреты крестьян, затем – художественные композиции из народной жизни. В 1822 г. одна из таких картин художника – «Очищение свеклы» - была показана императору. Полотно поместили в Бриллиантовой комнате Зимнего дворца, а автору заплатили тысячу рублей. Считается, что именно эта картина Венецианова является точкой отсчета в зарождении и развитии бытового жанра в русском искусстве живописи. Следующая картина – «Гумно» - стала одной из лучших его работ. За нее заплатили 3000 рублей и разместили в постоянной экспозиции Эрмитажа. На полученные деньги Венецианов открыл школу, где бесплатно обучал живописи молодых и талантливых людей всех сословий, многие из которых даже жили у него. На его счету больше семидесяти учеников, о которых он по-отцовски заботился, а некоторым крепостным даже помог получить вольную. Одна из самых известных картин Венецианова – «Утро помещицы». Особенно колоритны образы крестьянок: их фигуры и лица спокойны, величавы, деловиты, полны достоинства. Моделью образа одной из них стала жена художника. На известном полотне Венецианова «На пашне. Весна» в образе молодой, стройной женщине в сарафане, ведущей двух лошадей по полю, - тоже изображена жена. К лучшим работам художника, бесспорно, относится и его картина «На жатве. Лето».
Последние, 40-ые, годы жизни Венецианова сопровождались неудачами и бедами. Его предавали ученики, переходя в Академию художеств, появились долги, за которые было заложено имение. Потом – внезапное горе: смерть жены. Затем был отказ в месте преподавателя в Академии и реальная угроза разорения. Венецианов погиб от несчастного случая 04.12.1847: его лошади понесли, и сани перевернулись. Удар оказался смертельным.
Time: 01.09

В июне 1835 года из реки Сены в окрестностях городка Медон выловили тело мужчины. Проведенное расследование установило личность и обстоятельства, которые привели к этому печальному происшествию. Погибший оказался художником Антуаном-Жаном Гро, официальным живописцем Наполеона I. Пережив своего главного заказчика и работодателя на четырнадцать лет, Гро свел счеты с жизнью – когда осознал, что изменил делу своей жизни.

Портрет мадам Пастер, урожденной Мадлен Александр, Картина Антуана Жана Гроса (1771-1835), 1796 г. Лувр, Париж

Беженец в Италии во время революции, Гро написал несколько портретов, в основном в Генуе в 1795-96 гг. Это раннее произведение, озаглавленном "Мадам Пастер", отражает дух 18 века. Мы видим молодую женщину, одетую в то, что кажется платьем, в котором она не должна быть видна публике. Однако этот портрет был написан с 1795 по 1796 год; это было ближе к концу Французской революции, и мода того времени сильно изменилась. Женщины и мужчины больше не хотели выглядеть как часть французской аристократии и вместо этого выбирали одежду, которая была простой по сравнению с юбками-обручами и замысловатыми деталями одежды, которые носили до этого времени. Идея самовыражения и самовыражения с помощью того, что вы носите, также стала тенденцией, поэтому в одежде, как правило, предпочтение было отдано естественной фигуре, а не обтягивающим корсетам.
Что больше всего интригует зрителя, особенно этого зрителя, так это выражение лица молодой женщины. Один из зрителей заявляет, что «изображение молодой женщины в этой юношеской работе проникнуто беззаботной грацией духа 18 века», и она действительно выглядит беззаботно. Легкая улыбка и то, как ее глаза, кажется, почти улыбаются, тоже создают впечатление, будто художник изобразил ее прямо до или после того, как она хихикнула. Поза женщины кажется ни открытой, ни закрытой; как будто она немного застенчива.

Жизненный путь Антуана-Жана Гро пришелся на драматичные и трудные для Франции времена. Он достиг в своей профессии многого – оказаться в милости у одного из величайших европейских правителей, заручиться его доверием и создавать на протяжении десятков лет его образ для современников и потомков, образ героический и идеализированный - все это нельзя было не считать настоящим успехом. Родился Антуан-Жан 16 марта 1771 года в Париже в семье художника-миниатюриста. Это были времена абсолютной монархии, а в искусстве царил стиль рококо, и младшему Гро жизнь готовила поначалу то же будущее, что и его отцу. Гро-старший первым дал Антуану навыки рисования и живописи, а уже в этот способный и трудолюбивый мальчишка оказался в обучении у Жака-Луи Давида – будущего художника Революции, а пока – педагога и члена главной французской художественной академии. Антуан-Жан Гро стал любимым учеником мастера. В шестнадцать Антуан-Жан поступил в школу при Королевской академии живописи и скульптуры, где проучился до 1792 года, когда Франция была уже три года как была охвачена революционными волнениями. Оставаться в стране дальше было опасно, и в 1793 году с помощью Жака-Луи Давида молодой художник смог отправиться в Италию, где заодно выполнял обязательную для выпускников Академии программу по изучению искусства итальянского Возрождения. Гро посетил Геную, Милан, Флоренцию, посещал музеи, выполнял зарисовки с шедевров живописи и античных статуй, а помимо этого – писал и свои произведения, в том числе и портреты, которые быстро принесли ему славу. В Генуе художнику посчастливилось познакомиться с Жозефиной Богарне, женой Наполеона. Она пожелала, чтобы Гро сопровождал ее в поездках по Италии, и представила живописца своему мужу.
Во время сражения при Арколе во время Итальянского похода Бонапарт бросился со знаменем в руках прямо на противника, невзирая на огонь с австрийской стороны. При этом сражении присутствовал и Антуан-Жан Гро. Он написал героический портрет Наполеона – «Бонапарт на Аркольском мосту», который принес славу обоим, и полководцу в романтическом и даже героическом образе, и художнику, благодаря которому этот образ воплотился в картине. После этого Гро получил офицерское звание и был принят на службу к корсиканцу, помимо основной своей работы – создания живописных изображений Наполеона – выполняя и другие его поручения. Художник был назначен членом комиссии, которая отбирала трофеи - шедевры итальянского искусства для их переправки во Францию. Его произведения одно за другим завоевывали признание. Гро было доверено изобразить на своих холстах такого Наполеона, который бы воплощал отвагу, решительность, и у художника это получалось: ведь и сам он был вдохновлен личностью Бонапарта. К тому же, Гро был из тех немногих, кто имел возможность писать портреты правителя с натуры; он сопровождал полководца и в его военных походах, и это увлечение личностью Наполеона в сочетании с талантом и мастерством художника позволяло создавать действительно значимые произведения. В 1802 году Гро получил национальную премию живописи за холст «Битва при Назарете», а в 1804 написал одну из самых успешных своих работ – «Наполеон возле больных чумой в Яффе». Здесь Бонапарт предстал в образе, напоминающем Христа.
Реставрация Бурбонов, начавшись в 1815 году, изменила судьбу Гро – в каком-то смысле роковым образом. Жак-Луи Давид навсегда покинул Париж, спасаясь от возмездия за свое содействие Революции, а Антуан-Жан Гро принял от него мастерскую и учеников. От романтизма в искусстве он отошел, вернувшись к академизму. Новые картины, теперь уже написанные в стиле неоклассицизма, отличались теперь сухостью и сдержанностью. Портреты перестали привлекать новых заказчиков. Творчество Гро уже не получало тех восторженных отзывов, что сопровождали его карьеру в молодости. Утрата идеалов, измена своим профессиональным принципам сказались и на работе, и на жизни художника. Постепенно спрос на его картины сошел на нет, заказов на портреты больше не поступало. В июне 1735 года художник покончил с собой, бросившись в Сену. Последней картиной, написанной в его мастерской, стала работа «Геркулес и Диомед», весьма прохладно принятая критиками.
Time: 01.11

Когда красота не приносит счастья:

Йозеф Карл Штилер, "Амалия фон Шинтлинг". 1831 г. Schloss Nymphenburg, Мюнхен

Юная 19-летняя красавица Амалия фон Шинтлинг - одна из самых красивых женщин Германии. Её портрет украшает галерею короля Баварии Людвига I в знаменитом «Замке нимф». Прекрасная Амалия покинула этот мир сразу же после того, как портрет был написан. Что это было? Совпадение или мистическая связь между изображением на портрете и её жизнью?
Король Баварии Людвиг I был великим эстетом, он ценил красоту во всех её проявлениях. И конечно, прежде всего женскую красоту. Он заказал немецкому художнику Карлу Йозефу Штилеру галерею женских портретов. Самые красивые женщины страны 1827-1850 годов стали его моделями. Эталон красоты определялся самим Людвигом Баварским. Его не интересовало происхождение женщины, только её внешность. Это были представления о красоте самого короля: чистота, нежность, целомудрие, изысканность – именно в этом заключалось, по мнению Людвига, прекрасное в женщине. Амалия фон Шинтлинг соответствовала этому эталону. Она была прекрасна своей затаённой печалью, тишиной и внутренним светом. Амалия родилась в семье полковника. Король Баварии обратился с просьбой к отцу написать портрет Амалии. Отец был польщён этой честью – Амалия окажется в галерее самых красивых женщин Германии! Саму Амалию никто не спрашивал. Но её двоюродный брат и жених лейтенант фон Шинтлинг был категорически против. Почему? Ходили тёмные слухи о позировавших художнику дамах. Увлечения короля красотой были не всегда платоническими. Но королю не отказывают! Работа над портретом началась, она продолжалась три месяца. Художник любовался своей прекрасной моделью. И вдруг что-то произошло. Амалия начала таять на глазах. Она побледнела, глаза её были полны тоски, в них постоянно стояли слёзы. Какая-то трагическая надломленность появилась в красавице. Художник не выдержал и спросил её, что с ней. Амалия разрыдалась. То ли до неё доходили слухи о короле и его увлечениях, то ли нелады с женихом подкашивали здоровье. Амалию пожирала скоротечная чахотка. Это поразило современников. Многие думали, что болезнь юной Амалии была мистически связана с работой художника над портретом. И вот портрет написан. Он прекрасен. Юная красавица смотрит с холста. Изумительные глаза, нежная кожа, сама весна! Двадцать тысяч гульденов, которые король Людвиг выделил девушке в приданое, получены. Амалии оставлен роскошный наряд, в котором она позировала. Но Амалии всё это уже не нужно. Она в бреду стояла у дверей гроба. Смерть настигла её в том же году, когда был написан портрет. Ужасное предчувствие человека, который её любил, не обмануло. И вот вместо свадебного пира жених проводил свою невесту в последний путь. Откуда эта скоротечная чахотка? Амалия унесла с собой свою тайну. На память о ней остался портрет в «Галерее красавиц». Эта галерея находится на западе столицы короля Баварии Мюнхена во дворце Нимфенбург. И портрет Амалии фон Шинтлинг, таинственной и прекрасной, не потерялся среди множества женских лиц.
Time: 01.13

Из-за автора этой картины у меня разгораются самые ожесточенные споры. С теми, кто в теме, конечно. Его покрытая тайной развратная жизнь за границей и не менее загадочная смерть сразу после свадьбы со своей Лолитой выглядят, как грозная кара с небес. Поэтому я не буду описывать все сплетни и версии, а приведу лишь установленные факты как нашими, так и зарубежными историками и искусствоведами.

О.А.Кипренский, "Портрет М.А.Кикиной", 1816 г., итальянский карандаш, сангина на бумаге, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Орест Кипренский - один из ведущих художников России первой половины XIX века, получивший международное признание. Его автопортрет был помещен в галерею Уффици во Флоренции вместе с портретами величайших мастеров мира.
Кипренский был внебрачным сыном помещика Алексея Дьяконова и одной из его крепостных. Орест родился 24 марта 1782 года в селе Копорье, недалеко от Петербурга. Хотя Кипренский родился крепостным, он был освобожден из неволи сразу после рождения, и его отец помог ему поступить в Академию художеств в Санкт-Петербурге в 1788 году. В Академии художеств Орест получил образование и стал историческим живописцем. Все творчество Кипренского связано с портретным жанром. Как представитель эпохи романтизма, он был обновителем традиций русского портрета. Его работы утверждают ценность личности, отражают эмоциональный мир человека. Кипренский был еще и рисовальщиком-виртуозом, создававшим (в основном итальянским карандашом и пастелью) образцы графического мастерства, часто превосходя его живописные портреты открытой, волнующе легкой эмоциональностью.
Большое количество эскизов и текстовых свидетельств показывает, что художник на протяжении всего зрелого периода стремился создать большое зрелищное, или, по-русски, шокирующее и магическое, где в аллегорической форме были бы изображены результаты европейской истории, а также пути России. Во время вторжения Наполеона 1812 года он создал несколько графических портретов людей, воевавших с французами. В послевоенное время Кипренский создал множество портретов, в числе которых и представленная здесь картина "Портрет М.А.Кикиной". Только в 1816 году Оресту Кипренскому удалось отправиться в Европу, чтобы изучать искусство старых мастеров. Он провел семь лет в Италии и создал там исторические картины. В Италии он познакомился с маленькой девочкой Анной Марией Фалькуччи (Мариуччи), к которой он привязался. Он купил ее у распутной матери и сделал своей подопечной. Уезжая из Италии, он отдал ее в католический монастырь. После возвращения из Италии Кипренский продолжал писать портреты, свой любимый жанр. Самым знаменитым стал портрет А.С.Пушкина, который мы помним со школьных учебников. В 1828 году Кипренский вернулся в Италию. Поводом для его второй поездки послужило письмо его друга из Италии, в котором тот сообщал, что он потерял след Мариуччи. Кипренский нашел Мариуччи, ее перевели в другой монастырь. В июле 1836 года Кипренскому удалось, наконец, забрать Мариуччи из монастыря и жениться на ней. Но счастье новобрачных было недолгим: он умер от пневмонии через три месяца, 5 октября 1836 года, и был похоронен в Риме. Его дочь Констанция родилась после его смерти.
Time: 01.15

Жан-Батист Камиль Коро, "Женщина с жемчужиной", 1868-1870 гг. масло на холсте, Лувр, Париж.

Если Коро был обязан своей славой при жизни своим великолепным пейзажам, то именно его портреты вызывали зависть у сверстников. Это его самая успешная работа и самая загадочная.
Позировала художнику Берта Гольдшмидт, молодая женщина, жившая по соседству. Коро облачил ее в платье итальянки, заставил надеть свой жилет и усадил в позу, близкую леонардовской «Джоконде». Мягкий свет моделирует округлое лицо, дрожит и трепещет в мелких листочках, украшающих каштановые волосы. Серый, слегка темнеющий книзу фон тонально связан с фигурой, решенной в серой же гамме, красиво и разнообразно сочетающейся с голубым, желтоватым, розовым и коричневым в одежде. Прозрачные трепетные тени, система тончайших валеров, широко используемая художником в пейзажах, применяются и здесь, усиливая поэтичность, музыкальную настроенность образа.
Перед зрителем — и конкретный образ, и в то же время уже не реальная женщина, а муза художника, воплощение его мечты. Вся картина излучает духовную красоту, отражая изящество души, прекрасной и тонкой именно потому, что она естественна и цветет подобно цветку или ветке дерева. Трудно найти во французском искусстве тех лет другой пример столь гармоничного, возвышенного и одновременно отвлеченного понимания портретного образа.
Time: 01.17

Эдуард Мане, Чтение (Мадам Мане), Стиль: Импрессионизм, Масло, Холст, 1868 г. Музей д’Орсе, Париж.

Только взглянув на картину, нельзя не констатировать – это чистейшей воды импрессионизм. Только эта художественная изобразительная эстетика могла так филигранно преображать действительность, делая из обычного сюжета умопомрачительные по своей красоте шедевры. Парадокс состоит в том, что увлекаясь творчеством Ренуара и своего почти тезки Клода Моне, Эдуард Мане отказывался причислять себя к движению импрессионистов, между тем сегодня ни для кого не секрет, что живописец стоял у самых истоков этого направления.
Широкие, но короткие мазки, которые создают динамику, импульсивные линии, игра световых бликов на платье, “свободное” дыхание пространства картины – все это, самые верные черты импрессионизма. Автор как будто выхватил один кадр из всеобщего потока действий и запечатлел это хрупкий миг, превратив его в волшебное мгновение, где неспешно льется речь из уст юноши, ветер играет с полами штор и струящимся платьем молодой прекрасной нимфы, чья красота может поспорить с красотой этого пасторального момента.
Виктория Меран не раз появлялась на полотнах художника – ее нежный образ мы видим в таких шедеврах, как “Олимпия”, “Уличная певица”, “Завтрак на траве”, “Железная дорога” и “В костюме матадора”, в 1868 году Мане пишет бытовую картину “Чтение”, где вновь предстает его любимая натурщица.
У широкого окна, которое угадывается за тонкой летящей шторой, сидит молодая девушка с высокими скулами и забранными наверх темно-каштановыми волосами. Мерцание белого заметно преображает всю композицию – и платье с вырезом, и диван, и штора написаны в одном цветовом колорите, но художник мастерски “расцветил” его с помощью бликов. Девушка сосредоточена, она внимательно слушает чтеца, фигура которого выступает из темного верхнего правого угла картины.
К слову сказать, судьба этой красотки была весьма незавидна – она так и не вырвалась из нищеты, о чем страстно мечтала, Мане давно рисовал других прелестных женщин, красота стала уходить, и Виктория Меран зарабатывала себе на жизнь песнями на улицах, и получила прозвище “Липучка” за попрошайничество в кафе и питейных заведениях. А то волшебное время, когда ее красотой восхищался талантливый художник, перемещая ее образ с одного полотна на другое, давно ушло, оставив лишь воспоминания и бессмертные полотна.
Time: 01.18

Так как началась эпоха модных течений в искусстве, первое из которых импрессионизм, мои гости с умным видом произносят фамилии, которые всегда на слуху, как здесь: "Ну так это же Мане! Название, правда, не помню, но красиво, согласись?":

Эдуард Мане, "Берта Моризо с букетом фиалок", 1872 г. Музей Орсе, Париж.

Оставаясь в Париже в годы Франко-прусской войны и Коммуны, Мане вступает в национальную гвардию, полностью отказавшись от занятий живописью. К концу 1871 года он продолжает работу вместе со своими бывшими моделями, включая Берту Моризо, молодую художницу, связанную с ним глубокой дружбой и впоследствии ставшей женой его брата Эжена. В данной работе вместо того чтобы задействовать равномерный свет, часто используемый при написании портретов, Мане освещает лицо Берты лишь с одной стороны, разделяя его на зоны света и тени. Одетая во все черное, со шляпой, придающей ей "испанский" образ, отмеченный в первом портрете работы Мане 1869 года, Моризо смотрит на зрителя непроницаемо черными глазами, на самом деле бывшими зеленого цвета. Букет фиалок на фоне черного траурного платья почти не различим. Головной убор украшен лентами, переплетенными с каштановыми волосами модели. Эта безупречная композиция еще раз подтверждает виртуозное мастерство Мане как живописца. Кроме того, портрет являлся наглядным уроком использования черного цвета для Моризо, собственные картины которой становились все светлее вслед за дальнейшим увлечением техникой импрессионизма. В 1874 году Мане рисует схожий по композиции и цветовому решению портрет Берты Моризо в траурной шляпе, связанный со смертью ее отца. Также, вдохновленный успехом своей работы, художник создает две литографии и один офорт с изображением Моризо. Странный и завораживающий портрет был быстро признан шедевром друзьями художника, оставаясь таковым и в наше время. В 1894 году картина была приобретена Бертой Моризо и оставалась в ее семье вплоть до 1998 года.
Time: 01.20

Анри Фантен Латур, Портрет Шарлотты Дюбур, 1882 г. Музей Орсе, Париж.

Шарлотта Дюбург (1850-1921) - сестра Виктории (1840-1926), жены Фантен-Латура. Она много раз появляется под кистями последних, одна или на семейных портретах. Если Виктория, известная художница, хорошо известна, то мы мало знаем о Шарлотте. Осталась незамужней, учительница немецкого языка, ее отношение к групповым портретам раскрывает сильную и независимую личность.
Эта картина, безусловно, является наиболее амбициозным из портретов своей невестки, созданных Фантен-Латуром, как по размеру, так и по тщательности при ее воплощении. Поза молодой женщины в городском платье естественна, ни в коей мере не одетая. Его внимание кажется отвлеченным от кадра каким-то событием, которое на мгновение обездвиживает его.
В намеренно приглушенной ясности художник использует диапазон приглушенных цветов, созданных с деликатностью. Он играет на заднем плане на розовато-коричневых тонах, а для одежды - на сине-серых тонах. Тем не менее, он добавляет несколько пятен более ярких цветов, чтобы оживить свою композицию: красный цвет веера, белое кружево, сохраняющее свет на левом запястье, желтые цветы на шляпе.
Time: 01.22

Мы на экваторе нашей экскурсии! По старинному морскому обычаю, надо окунуться с головой в море... водки/страсти/греха - что кому нужно, выбирай!

А.В.Тыранов, "Итальянка". 1851 г. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Я уже выше подробно рассказал об этом пылком, страстном и противоречивом художнике. Напомню основное:
известный русский художник-портретист Алексей Васильевич Тыранов (1808-1859) - один из наиболее одаренных учеников А. В. Венецианова, портретист и жанрист. Выйдя на самостоятельную дорогу, он не смог противиться моде и различным жизненным соблазнам и сделался одним из тех, кого Венецианов назвал "потерянными людьми". Бывший иконописец, которого подобрал Венецианов и научил реалистической живописи, позже поступил в Академию художеств и получил золотую медаль. Из поездки в Италию он вернулся в 1843 году на грани нервного срыва, — из-за несчастной любви к итальянке-натурщице. И на следующий год попал в петербургскую психиатрическую больницу. Там его сумели привести в относительный порядок. Следующие несколько лет он провел на родине, в Бежецке, а потом снова работал в Петербурге. Скончался Тыранов от туберкулеза в 51 год.
Свою музу он писал много раз, но самый знаменитый портрет именно этот. Вместо описания приведу стихотворение - лучше не скажешь:

Чище моря она
И прозрачных небес,
Обнажённая плоть –
Дань беспечному лету…
Так пронзительно свеж
Взгляд приморских невест,
Столько скрытой любви,
Что аналогов нету…

Непритворно проста
И ясна, как цветок,
Что от солнца цветёт,
А от слёз – засыхает…
В ней глубинная страсть,
Но – пылает платок,
Он алеет, манит
И от ветра вздыхает…

Мочки тёплых ушей
Белый жемчуг несут,
Кожи розовый шёлк
Мягче нежного пуха…
Все попытки уйти,
Позабыть – не спасут:
И молчанье её
Громче молний для слуха…

Золотистый загар
На открытых плечах,
А на юных руках
Соль горячего моря…
Вся сияет, парит
В предзакатных лучах,
Вне пределов, времён,
Вне страданий и горя…

Так естественен блеск
Её губ и волос,
Так желанна она,
Но, при том, неприступна,
Что в досаде своей
Вы почешете нос –
Итальянская дочь
Суете недоступна!
Time: 01.24

Жан Огюст Доминик Энгр, "Принцесса Альбер де Бройль", 1853 г. Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Жан-Огюст-Доминик Энгр, французский художник-неоклассик по преимуществу, написал этот шедевр ближе к концу своей жизни, когда его репутация портретиста среди видных горожан и орлеанских аристократов уже давно утвердилась. Полин де Бройль участвовала в заключительном заказе художника. Энгр запечатлел застенчивую сдержанность своего объекта, одновременно подчеркивая с помощью бесшовных мазков качество материала ее многих прекрасных атрибутов: ее богатого синего атласного и кружевного бального платья, расшитого золотом шали и шелкового дамасского кресла вместе с тонко обработанными жемчужинами и эмалью. , и золото. Портрет был заказан мужем натурщицы, Альбертом де Бройль, через несколько лет после их злополучного брака. Полина заболела туберкулезом вскоре после завершения изысканного портрета, оставив пятерых сыновей и скорбящего мужа. При жизни Альберта он был задрапирован тканью на стенах семейной резиденции. Портрет оставался в семье де Бройля незадолго до того, как его приобрел Роберт Леман.

Жан-Огюст родился в Монтобане 29 августа 1780 года в семье неудачливого скульптора и художника. Энгр был чутким и кропотливым рисовальщиком. Для него рисунок был самой сердцевиной живописи, и он рисовал и перерисовывал все, что хотел рисовать, пока не понял все его элементы и их тончайшие взаимосвязи. Хотя он ценил историческую живопись превыше всего, он также часто писал портреты, одни из лучших - рисунки. Эти рисунки - искусные, лаконичные шедевры. Выдающееся воспоминание Энгра о месте, свете и характере в этих, казалось бы, случайных портретных рисунках сделало его одним из самых почитаемых рисовальщиков в истории искусства.
Даже в своих портретах Энгр проявлял чувство, которое чаще выражалось в обнаженных тонах, которые занимали его по мере того, как он становился старше и его стиль развивался. Его «Турецкие женщины в бане» , написанные в возрасте 82 лет, являются кульминацией его изображений обнаженных женщин.
Time: 01.26

Уильям Кларк Вонтнер, "Элегантная красота", 1920 г. Масло на холсте. Частная коллекция: анонимная продажа - аукцион Christie's, Нью-Йорк, 1 ноября 1999 г., лот 184. Цена оценки: $30 000-50 000. Цена продажи: $60 000. Приобретен на указанной выше продаже нынешним владельцем.

Ульям Кларк Вонтнер (1857-1930) – английский портретист, работавший в академическом стиле - он был одним из представителей неоклассицизма в Англии и писал в основном женские портреты в восточном стиле. Вонтнер не был выдающимся и знаменитым художником, но тем не менее, созданные им женские образы до сих пор продолжают вызывать восхищение. Его красавицы прелестны и очаровательны, они прекрасны как богини, наверное так выглядели древнегреческие богини, когда они сходили с небес на землю. Смотрите и восхищайтесь этими неотразимыми, изумительно прекрасными молодыми девушками:

Прекрасны женские глаза
И каждый миг - неповторимы.
Пусть не туманит их слеза,
Пусть будут каждый день любимы!

Мечты в них озорной полёт
И мудрость, как с холста иконы.
Отступит холод, стает лёд
От взгляда женщины влюблённой.
Time: 01.28

Вильям-Адольф Бугро, "Сувенир", 1895 г. Художественный музей Карнеги

Адольф-Вильям Бугро (Бугеро) (1825-1905) - французский художник 19 века. Один из самых талантливых и крупнейших представителей салонного академизма. Его имени принадлежат более 800 полотен. Но его имя и гениальное художественное наследие жестко критиковали и около века об этом талантливом художнике никто и не вспоминал. В 1825 году во французском портовом городе Ла Рошель, недалеко от Форта Бойяр, родился мальчик в семье торговца оливками и вином. Уже в начальной школе все его тетрадки были изрисованы рисунками и набросками. Юного Вильяма отдали на попечение молодому дяде священнику Южену. Именно он и привил юному таланту интерес к философии, литературе, мифологии и религии. Когда Вильяму исполнилось 14 лет, он поступает в колледж, а через 5 лет он получает награду, это его первый творческий успех: "Лучшая историческая живопись". Дальнейшее обучение проходило в Бордо, в Королевской школе искусств. Чтобы оплачивать учёбу, он подрабатывал бухгалтером у местного винодела, рисовал ярлыки и этикетки для бакалейщика.
В 1850 году начинающий художник выиграл Римскую премию и получает грант на годовое обучение в Италии, где постигает азы классического искусства. В этой стране он знакомится с гениальными творениями великих мастеров Возрождения и приобретает собственное признание. В Париж он вернулся уже живописцем, популярность которого была на высоте. Бугро работал очень много - с самого раннего утра начинал работу в мастерской и уходил далеко за полночь. Он всегда стремился к совершенству и был не доволен собой. Его современники дали ему прозвище "Сизиф 19-го века"
Его сравнивали с Рембрандтом. Утверждали, что "Рембрандт уловил душу старости, в то время как Бугро уловил душу юности." Его безукоризненное знание анатомии человеческого тела, скрупулезная деталировка, удивительно подобранная цветовая гамма делали его работы необыкновенно реалистичными.
На пике славы Вильям создает семью, у него рождается пятеро детей. Но вскоре один за другим умирает трое детей и его жена. Художник посвящает себя работе, чтобы забыться. Он много пишет на исторические, мифологические, библейские и аллегорические сюжеты, где преобладала нагота женских тел и праздность, которые у многих вызывали недовольство. Живописцу говорили что его картины слишком эротизированны и развращают молодое поколение. Критики становилось все больше и больше. В 1881 году французское правительство подвергло Вильяма Бугро административному контролю со стороны представителей Парижского Салона. В 79 лет художника не стало.
Более 100 лет его картины лежали в запасниках музеев. Но с 1980-х годов меняется отношение ценителей искусства к салонно-академической живописи, и Бугро начинают рассматривать как одного из значимых живописцев девятнадцатого века. В 1984 году при поддержке Монреальского музея изящных искусств в Париже была организована первая ретроспективная выставка гениального живописца.
Полотна Бугро вернулись в историю искусства и заняли достойное место среди шедевров живописи.
Time: 01.30